Recomendaciones de cine 2011 (2ª parte)

Continuamos nuestro programa especial sobre nuestras propuestas cinematográficas relativas al cine de 2011. La siguiente en la lista es la película dirigida por Roman Polanski “Un dios salvaje”. Se trata de una coproducción que adapta una obra de teatro, y tiene como eje argumental la reunión de los padres de dos chavales que se han peleado y quieren resolver el problema de forma civilizada. Cuatro magníficos actores (Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y Jhon C. Relley) constituyen la clave para sostener una historia que plantea una cuestión filósofica tan interesante como la naturaleza humana y su esencia bondadosa o radicalmente dañina para sus congéneres, además del papel de la educación y la cultura en esta cuestión (quizás algunos de nuestros alumnos recuerden a Rousseau y a Hobbes). Interesante para disfrutar con cuatro estupendas interpretaciones y para reflexionar un poquito sobre el mundo en que vivimos.
Nuestra segunda recomendación del 2011 en el día de hoy es el largometraje español de ciencia ficción “Eva”. Creo que es un muy digno intento de explorar un género poco tratado en nuestro cine. Ambientada en el tema de las posibilidades futuras de la robótica, plantea dilemas éticos y filosóficos muy interesantes. Todo ello con un cuidado diseño de producción. A destacar los dos actores protagonistas: el hispanoalemán Daniel Brühl (Álex), que recordaréis por “Malditos bastardos”, y la niña Claudia Vega (Eva). La crítica de Miguel Ángel Delgado es suficientemente ilustrativa: “…Eva” recupera la ciencia-ficción clásica con una trama que bebe de la época gloriosa del género y un diseño de producción que quita el hipo. En conjunto, la ópera prima de Kike Maíllo es admirable, un lujo para los sentidos…”. Muy recomendable para los amantes de la ciencia ficción clásica, de la robótica, y del buen cine en general.
La tercera propuesta es la película “Un método peligroso”, del director David Cronenberg. Gran trabajo para comprender mejor el nacimiento de una de las teorías que han marcado el pensamiento occidental del siglo XX: el psicoanálisis. Dos personajes históricos complejos, Jung y Freud (magníficamente interpretados por Michael Fassender y Viggo Mortensen) constituyen el eje intelectual de una historia que, a partir del tratamiento de una mujer con graves trastornos (también muy bien Keira Knightley), nos expone los orígenes, los límites morales y las contradicciones de una teoría que, como dijimos, cambió a la larga la forma de pensar en occidente. Estupenda realización de Cronenberg, “…que aúna la excelencia formal de sus últimos trabajos con el regreso a algunos temas recurrentes de su fascinante filmografía. Una película densa y complicada, presidida por un gran trío central sujeto a una dialéctica constante…” (José Arce en labutaca.net). En definitiva, película compleja para los que quieran profundizar en el mundo del psicoanálisis y disfrutar de una dirección e interpretaciones excepcionales.
Por último, finalizamos esta sección de recomendaciones del 2011 con la película “La voz dormida”, del director lebrijano Benito Zambrano, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Dulce Chacón. Esta película española vuelve a sumergirse en la época de la represión de la posguerra española, con la historia de dos hermanas como hilo conductor. Estupenda María León en su papel de Pepita, chica de origen rural que se traslada a Madrid para ayudar a su hermana, embarazada y presa política en la cárcel. Por este trabajo recibió la Concha de Plata en el último Festival de San Sebastián. La película ha recibido tanto críticas positivas (fidelidad al relato original, perfección formal) como negativas (frialdad, cierto maniqueísmo en la visión de la historia). Pero sin duda es cine serio, drama sin concesiones, como el que suele hacer Zambrano, aunque esta vez con críticas contrapuestas, y que os recomendamos también como parte de lo más interesante de la filmografía española de 2011.

Y ya en la recta final del programa, finalizamos con la sección Cine y literatura, que conduce Rosa Mª Calderón, dedicada de nuevo al escritor Enrique Jardiel Poncela. Si la semana pasada se habló de Angelina y el honor de un brigadier, que fue la primera película en verso que se hizo en Hollywood, el miércoles 18 de enero se hizo referencia a la experiencia de este dramaturgo en la Meca del cine y de otra de sus famosas obras llevada a la pantalla: Eloísa está debajo de un almendro. Pero centrémonos, en la vinculación de Jardiel Poncela con Hollywood: resulta que en agosto del 32, dos años antes de que escribiera Angelina, el escritor recibe una llamada del dramaturgo, director de cine y guionista José López Rubio quien lo anima a irse a EEUU. La poderosa productora Fox Film le ofrecía un contrato de seis meses, con una remuneración de 100 dólares al mes para trabajar como guionista. Después de muchas dudas, en septiembre marcha a Los Ángeles. El impacto con el mundo del cine fue tremendo, tuvo que aprender a marcha forzada las técnicas del guión cinematográfico, desarrollar la capacidad de síntesis al máximo e innovar los recursos convencionales del humor. Pero la vida de Hollywood pudo con él, y en mayo del 33 regresaba a España con un sabor agridulce: por un lado se había enriquecido profesionalmente, pero por otro lado detestaba profundamente que retocaran cientos de veces sus guiones y la exigencia del trabajo en los estudios cinematográficos que le privaba de total libertad. Su labor, a pesar del escaso tiempo en Hollywood, fue muy reconocida por los cineastas americanos, los cuales le apodaron "el rey de la sincronización", según nos cuenta Miguel Martín en su interesante libro El hombre que mató a Jardiel Poncela (Ed. Planeta, 1997, p.94). Años más tarde, desencantado de esta experiencia y de la sociedad americana en general escribió El amor solo dura 2.000 metros, estrenada en 1941 de donde recogemos este comentario del autor: “En Hollywood pasé la mitad del tiempo tumbado sobre la arena mirando a las estrellas y la otra mitad tumbado sobre las estrellas mirando la arena” (cfr. El hombre que mató a Jardiel Poncela, p.97)Y después de estas anécdotas sobre la vida de Jardiel Poncela y algunas más que podréis escuchar en el programa de radio, pusimos el punto y final con nuestra recomendación: Eloísa está debajo de un almendro. Se trata de una comedia que narra las peripecias de Fernando y su prometida, Mariana, así como sus respectivas familias que se ven envueltos en el misterio de la desaparición, años atrás, de Eloísa, una mujer que tenía un sospechoso parecido físico con Mariana. Esta divertida obra fue estrenada en 1940 en el Teatro de la Comedia de Madrid, y fue llevada al cine en 1943, siendo interpretada por Amparo Rivelles, Rafael Durán, Guadalupe Muñoz Sampedro y Juan Espantaleón.También se hicieron algunas versiones para TVE en 1964 y 1973.

Javier Tinoco

CANTAUTORES. SILVIO RODRÍGUEZ

En el tercer programa de Cantautores hemos traído al programa la voz y la música de Silvio Rodríguez, cantautor, guitarrista y poeta cubano. Exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución cubana (1959) y conocida como la Nueva Trova Cubana, se puede afirmar que Silvio es uno de los cantautores de más trascendencia internacional.
Su padre era campesino y su madre, además de ama de casa, formaba parte de un dúo musical con su hermana. Cantaban en celebraciones o eventos culturales.
Ya muy pequeño, con cinco años, comenzó su formación musical y, además de músico, fue dibujante de historietas y caricaturas, poeta y escritor. Hoy continúa cultivando estas facetas.
Junto a Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú contribuyó a la formación de la Nueva Trova Cubana. En la década del 70 forma parte del GES, Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC.(Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico.)
Su lírica incomparable y su fertilidad creativa única se han plasmado en temas de gran éxito en todo el mundo. Sin ser un artista comercial, cuenta con varios discos de oro en ventas y de su cancionero ya se puede decir que algunos temas son clásicos. Sin duda, su estatura como artista lo sitúa entre los grandes compositores de la canción de los últimos años.
Si en la mayoría de los cantautores, la experiencia personal es fuente de temas para sus canciones, en Silvio Rodríguez, esto se hace especialmente patente, y es algo que me ha interesado especialmente.
Las canciones que he seleccionado nacen de una vivencia concreta, tienen nombres, lugares, tiempos y sentimientos.
Así, comenzamos el programa con Ojalá (editada en 1978, en el álbum Al final de este viaje) y que es, casi con toda seguridad, la canción insignia de Silvio Rodríguez para los aficionados a su música.
El propio Silvio se ha encargado de revelar que está dedicada a Emilia, su primer amor. La conoció cuando tenía 18 años y fue su primer amor importante. Era una muchacha inteligente y culta. Después se tuvieron que separar porque ella estaba estudiando medicina y se fue a su pueblo, Camagüey. Silvio se quedó en La Habana, totalmente desolado. Explicando el sentido de esta canción muchos años después, Silvio Rodríguez apuntó: “Y porque fue un amor frustrado, tronchado por las circunstancias, por la vida, no fue una cosa que se agotara, pues se me quedó un poco como un fantasma y por eso compuse esta canción en un momento quizás de delirio, de arrebato, de sentimiento un poco desmesurado: ojalá esto, ojalá lo otro...»
De la ausencia y de ti, Velia fue compuesta en 1969 y editada por primera vez en 1975 como parte de la obra colectiva "1975, año internacional de la mujer", pero incorporada a la discografía de Silvio en 1977 en el álbum Cuando digo futuro.
Esta preciosa canción está dedicada a Velia Ramírez, amiga mejicana de Silvio. Los versos de esta canción son un canto desgarrado a la nostalgia de una amistad -o quizá algo más- que se forjó cuando Silvio y Velia caminaban juntos por las calles de La Habana, compartían libros y reían y reían madrugadas enteras sin dormir.
En palabras de Silvio: “La canción cuenta una época difícil para la revolución cubana. Por eso digo que las ideas son balas y no puedo usar flores por Velia. Y hablo de mapas, porque ella vivía en México.”
Siguiendo con el tema del amor y la amistad, incluimos la canción ¿Quién fuera?, que fue interpretada por Javier en el programa y nos llenó de emoción. Fue editada por primera vez en 1992, en el álbum Silvio.Nos encontramos ante una preciosa canción de amor que no requiere demasiadas explicaciones.
La Canción del elegido fue compuesta en 1969, pero editada por primera vez en 1978 como primer corte del álbum Al final de este viaje.
El elegido de esta canción bien podría ser el Che o Sandino, pero en realidad la canción está dedicada a Abel Santamaría, uno de los jóvenes que participó, al comenzar la Revolución Cubana, en la toma del cuartel Moncada. Es poco conocido porque cayó muerto prácticamente en su primera acción, pero, como indica el propio Silvio, era muy importante en el movimiento revolucionario, patriota, altruista y de una gran condición humana. Su hermana, Haydée Santamaria, sería presidenta de la Casa de las Américas y la gran defensora de los jóvenes cantautores cubanos en un momento en que eran mirados con suspicacia por otras autoridades culturales y políticas de la isla.
Silvio Rodríguez ha versionado canciones de otros autores, amigos suyos, como Pablo Milanés o Luis Eduardo Aute. Me gusta especialmente, la versión que hizo Silvio de una canción de amor de este último, Me va la vida en ello, a la que aporta un ritmo de son cubano que, desde mi punto de vista, la enriquece.
Terminó el programa con la preciosa interpretación que de Rabo de nube hizo nuestro compañero Javier. Fue editada por primera vez en 1980 en el álbum Rabo de nube.
Silvio Rodríguez explica a propósitó de esta canción : “Nací en una zona rural donde los campesinos llaman rabo de nube (raboenube) al tornado. Siempre me fascinó esa metáfora del pueblo” En la canción, el poeta pide un deseo, un rabo de nube, “un barredor de tristeza, un aguacero en venganza, que cuando escampe parezca nuestra esperanza.”

Se me quedaron atrás varias canciones de Silvio y mirándolas con tristeza despedí el programa agradeciendo de nuevo su imprescindible colaboración a mi compañero Javier.
Espero que os hayan gustado las canciones de este gran poeta y cantor (los que no pudistéis escucharlas, podréis hacerlo aquí, en el postcast.)

Mucho me acordé de mi compañero y amigo Rafael-rendido admirador de la música y las letras de Silvio Rodríguez- mientras preparaba el programa. A él está dedicado.

50 años de "The Beach Boys".

Se cumplen 50 años del nacimiento de la banda estadounidense The Beach Boys que publicó su primer disco “Surfing safari” en el año 1962, por este motivo los alumnos Daniel Doña, Juan Fernández y Braulio González han dedicado el espacio "Rolling Stone: todo noticias" a este mítico quinteto. Este grupo se convirtió muy pronto en el más representativo del estilo de vida californiano de los años 60 y su música se ubicó dentro de la tendencia denominada surf rock, aunque a mediados de la década de los 60 el grupo fue evolucionando hacia el pop barroco y psicodélico con álbumes como "Pet Sounds" y "Smiley Smile". Los integrantes iniciales de esta famosísima banda, fueron los hermanos Wilson con Brian, que era compositor y vocal, y además tocaba el bajo y el piano; y con Carl, que también era vocal y tocaba la guitarra. A los hermanos Brian, se unieron Mike Love que tocaba el teclado y el saxofón; Al Jardine, que tocaba la guitarra; y por último, Bruce Johnston, que tocaba el bajo y el piano. Y todos cantaban. En los años 70, y después de que Brian Wilson abandonara la banda, el grupo se decantó por distintas tendencias musicales desde el pop y el soul al góspel, pero lo cierto es que ya no consiguieron el éxito de la década anterior: y en los años 80, las disputas legales entre los miembros del famoso quinteto empañaron su imagen. Su influencia posterior fue realmente notable, y su presencia se encuentra por ejemplo en Queen, en Elton John, o en el punk rock de los Ramones. El álbum Pet Sounds, sirvió –por ejemplo- como inspiración para que Jhon Lennon y Paul McCartney compusieran Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, considerado por la Revista Rolling Stone como el mejor álbum del siglo XX después precisamente de Pet Sound de The Beach Boys. La década de los 60 fue desde luego la época dorada de los “Beatles estadounidenses”, y precisamente a este período pertenece el aclamado sencillo Good Vibrations con el que nuestros alumnos despidieron esta sección antes de dar paso al Rock´n´Crow que conduce nuestro compañero Agustín Rivas Peña.

Los doodles

Iniciamos el espacio Noticias curiosas, dedicando hoy jueves 19 de enero esta sección a los doodles. Los doodles son los elementos decorativos que cambian continuamente y que decoran la página principal del buscador Google. Cuando los fundadores de Google, Larry y Sergey, crearon los doodles en 1999 nadie esperaba que tuvieran tanta aceptación, de hecho hay muchos internautas que esperan ansiosos la publicación de los nuevos doodles, incluso los coleccionan. Aunque los doodles son fundamentalmente un divertido sistema utilizado por Google para la celebración de eventos y el reconocimiento de personajes ilustres, también sirven para mostrar la personalidad innovadora y creativa de la propia empresa.

Actualmente los doodles, creados por un grupo de ingeniosos diseñadores, conmemoran diversas efemérides y eventos referidos a hechos históricos, culturales, científicos, deportivos, etc. Y ya para terminar, hasta la fecha se han creado más de 1.000 doodles para Google a nivel internacional como por ejemplo para el aniversario del nacimiento de Einstein, el 50 aniversario del descubrimiento del ADN o el 65 aniversario de la creación de Pipi Calzaslargas.

Finalizamos esta sección realizada por los alumnos de Proyecto Integrado de Radio con el punte lexicográfico en "La palabra del día" en la RAE, que para hoy es el tecnicismo y préstamo del inglés "klistrón" que significa: tubo electrónico empleado para generar o amplificar microondas en comunicaciones y radares.

Anécdotas de cine: el NO-DO

Volvemos a encontrarnos en el espacio Anécdotas de cine, conducido por las alumnas de P. Integrado de Radio Mª del Mar Cordero y Cristina Gandullo y el tema elegido para el día de hoy es la presencia del NO-DO durante el franquismo. El NO-DO era un Noticiario y Documental que fue creado por la Vicesecretaría de Educación Popular el 29 de septiembre de 1942, en plena posguerra. Su proyección antes de cualquier película fue declarada obligatoria en todos los cines españoles de la época. El primer NO-DO se proyectó el 4 de enero de 1943 y su duración en los cines de España duró hasta el final de la Dictadura de Franco, es decir hasta 1975, período en el que se editaron 4.016 programas que hacían referencia a la sociedad y a la política de la época.
La sintonía del NO-DO se mantendrá durante toda la vida del noticiario y fue obra del compositor Manuel Parada, autor también de las bandas sonoras de las películas El escándalo de 1943 y Los últimos de Filipinas de 1945. Su exhibición dejó de ser obligatoria a partir del 1 de enero de 1976, se transformó en Revista Cinematográfica en color en 1977 hasta que desapareció por completo en 1981. La bibliografía utilizada para esta sección ha sido: Los años del NO-DO. El mundo entero al alcance los nespañoles, de Rafael Abella y Gabriel Cardona, publicado en 2008 por Círculo de Lectores (pp.9-10)
Y un último apunte: cerramos la sección con "La palabra del día"(después de una semana y media de parón) , que en este caso no está en la RAE, y que como siempre los miércoles está vinculada al mundo del cine. La palabra seleccionada ha sido "disneymanía", epónimo acuñado como eslogan publicitario inicialmente, que ha acabado identificándose con el coleccionismo entusiata de los productos de la marca Disney.

Punto Hits (Programa emitido el 17 de Enero de 2012)

Volvemos este nuevo año con el programa Punto Hits, con una semana de retraso, debido a problemas técnicos. En el programa de este martes, los espacios habituales han abordado las siguientes temáticas: "El tiempo de ciencia" de Concha Román ha tratado sobre parte de un artículo de la revista “Muy Interesante” sobre “las 25 cosas que hemos descubierto en 2011”, la noticia, como cada semana, ha sido leída por alumnos de 1º de Bachillerato. El espacio "Un paseo por la historia de las matemáticas", conducido por Mª Carmen Torres, ha versado sobre “los orígenes de la matemática clásica griega”, y finalmente, la sección de Elena Toribio, ha proseguido su aventura arqueológica con un programa dedicado a “Creta, la primera gran civilización europea”. Si queréis saber más sobre alguna de estas secciones, podéis leer los artículos ya publicados o podéis oír el postcast que acompaña esta entrada.

Recomendaciones de cine 2011 (11 de enero de 2012)

Vamos a dedicar nuestros dos primeros programas de 2012 a recordaros las películas que, por diferentes razones, os recomendamos de entre todas las producciones que hemos comentado durante el 2011 (buen año de cine según la mayoría de los críticos). Nos acompaña durante el programa el compositor Elmer Berstein, del que hemos hecho una selección de bandas sonoras, empezando por Los hijos de Katie Elder, que desde hoy hemos convertido en la sintonía del programa.
Empezamos esta selección del 2011 con la película francesa De dioses y hombres, ambientada en la Argelia de los años 90 del siglo XX, en la época más dura del terrorismo islamista; tiene como protagonista una comunidad de monjes cistercienses que se enfrentan al dilema de abandonar el país y, con ello, a las personas a las que se han dedicado durante años, o permanecer, poniendo en riesgo cierto sus vidas. Es nuestra primera recomendación, y las palabras del crítico Julio Rodríguez Chico son suficientemente ilustrativas del por qué de nuestra elección: De dioses y hombres” es una película respetuosa y conciliadora, llena de matices y de hondura antropológica, penetrante hasta los entresijos más profundos que puedan explicar la decisión de unos hombres sin vocación de mártires. …Beauvois (director) cala en la esencia espiritual de los personajes y huye de los arquetipos: le interesa remarcar que la religión sabiamente entendida y vivida no conduce a la violencia, sino a lo contrario, y evita los juicios globales peyorativos sobre los musulmanes, tan frecuentes a causa de las acciones de algunos desalmados extremistas. Dura y profunda, ofrece muchos argumentos para reflexionar sobre cuestiones muy actuales.

Nuestra segunda propuesta de 2011 es el largometraje Melancolía, del director Lars Von Traer. Película difícil y con un planteamiento complejo (como suele ser habitual en su polémico realizador), pero que resulta atrayente y muy desasosegante al mismo tiempo. Además, con una extraordinaria interpretación de la actriz Kirsten Dunst (La sonrisa de la Monna Lisa). Así resume su crítica Jordi Revert: Lars von Trier construye un fin del mundo intimista, de hipnótica belleza y sin esperanza para la humanidad. “Melancolía” es una película magnífica y rotunda, con un extraordinario pulso interpretativo entre Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. Una película diferente para dejarse atrapar en una historia íntima en medio del apocalipsis.

La tercera de nuestras recomendaciones es The artist, película del director Michel Hazanavicius , que se anuncia como una de las grandes favoritas para los Globos de oro y los premios Oscar. “The artist” es una obra maestra en la que Michel Hazanavicius transmite con talento y oficio un amor al cine envidiable. Cuenta con una excelente pareja protagonista formada por Jean Dujardin y Bérénice Bejo….Hay que tener mucha valentía y confianza en la fuerza seductora de la imagen para hacer en pleno siglo XXI una película muda y en blanco y negro. Julio Rodríguez nos resume de esta manera lo que es una poética mirada a la época de las producciones mudas, utilizando para ello la misma manera de hacer cine.

En nuestra cuarta propuesta del 2011, os planteamos volver al mejor Woody Allen, que con Midnight in Paris recupera la frescura y la originalidad de magníficas películas como La rosa púrpura de El Cairo. En esta película, París es el decorado (precioso, por cierto) para que un alter ego del propio Allen, estupendamente protagonizado por Owen Wilson, se sumerja en la noche parisina de los años 20, con una multitud de personajes de la “edad de oro” de la cultura del siglo XX: Hemingway, Picasso, Dalí, … Así, Woody Allen presenta una simpática comedia mágica que matiza la aceptación del momento y el contexto que nos ha tocado vivir. Owen Wilson, fantástico, se rodea de iconos de la cultura universal en un colorido viaje al pasado (José Arce). Muy recomendable para volver a soñar y para amantes de la Ciudad de la luz.

Y terminamos este primer repaso al cine de 2011 con la compleja película de Terrence Malick, El árbol de la vida. Nos quedamos con las palabras del crítico José Arce: El árbol de la vida” es un poema visual de inagotable belleza y no apto para todos los paladares. Terrence Malick firma una nueva obra maestra, una película capaz de equiparar en intimismo el nacimiento del Universo y el microcosmos de una familia. Os parecerá maravillosa o la detestaréis, pero no os dejará indiferentes.

En el espacio de hoy de Cine y Literatura que conduce Rosa Mª Calderón se hizo referencia al escritor español Enrique Jardiel Poncela, que nació en los albores del siglo XX (1901) y murió en el año 1952, y cuya producción literaria más conocida se ubica dentro del género dramático, aunque también escribió ensayos, novelas famosísimas como Amor se escribe sin hache o Espérame en Siberia vida mía, colaboró mucho en la prensa de humor de la época e hizo sus pinitos en el mundo del cine como guionista. De todas estas facetas como escritor, se destacó su producción como autor de teatro y su labor como guionista cinematográfico.
En cuanto a su obra teatral, esta se enmarca dentro de la tendencia denominada teatro del absurdo, alejada por completo del teatro de humor de la época, más tradicional, al estilo de los Álvarez Quintero, Arniches, Muñoz Seca o Alfonso Paso. Aunque empezó a escribir teatro antes de la Guerra Civil, realmente su producción –como en el caso de Miguel Mihuira o Alejandro Casona- triunfaría sespués de la Guerra Civil. De su producción teatral sobresalen obras como: Una noche de primavera sin sueño (1927), Usted tiene ojos de mujer fatal (1932), Angelina o el honor de un brigadier (1934), Las cinco advertencias de Satanás (1935), Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1936), Un marido de ida y vuelta (1939), Eloísa está debajo de un almendro (1940), Los ladrones somos gente honrada (1940) o Los habitantes de la casa deshabitada (1942)
De estas obras que hemos citado, aunque nos dejamos en el tintero una larguísima lista, la que se seleccionó para la sección Cine y literatura fue Angelina o el honor de un brigadier, cuyo argumento es el siguiente: Angelina es obligada por su padre, el brigadier Don Marcial, a casarse con Rodolfo, pero ella en realidad ama a Germán, motivo por el cual huye de su casa. Tras la huida son descubiertos por su padre, quien reta a duelo a Germán y lo hiere posteriormente. Pero la historia se complica, pues Germán tiene un lío con la esposa del brigadier, que es a su vez la madre de Angelina. ¡Menudo lío, verdad!
Un año después de su estreno fue llevada al cine en Hollywood, siendo su director Louis King, y sus intérpretes Rosita Díaz Gimeno en el papel de Angelina, José Crespo en el papel de Germán y Julio Peña como Rodolfo entre otros. También fue adaptada esta obra para TVE (Estudio 1) concretamente en el año 1969. Como curiosidad hay que comentar que fue la primera película en verso que se se hizo en Holliwood. En el próximo programa seguiremos hablando un poco más de Jardiel Poncela, de su vinculación con la meca del cine y de Eloísa está debajo de un almendro.

Si pincháis ahora en el siguiente enlace podréis escuchar un interesante comentario del Director Escénico de la última puesta en escena de la obra (enero de 2010), Juan Carlos Pérez.

25 cosas que hemos decubierto en 2011

Empezamos un nuevo año deseando que sea estupendo para todos. Nosotros seguimos con nuestro mini “Tiempo de ciencia” intentando hacer llegar un ratito de noticias científicas que esperamos que os interesen.
Vamos a comenzar el año con una serie de programas basados en un estupendo artículo que encontramos en la revista MUY INTERESANTE sobre las “25 cosas que hemos descubierto en 2011”.
Hoy os hemos contado diez de ellas y para eso hemos contado con alumnas de 1º de bachillerato B: Rocio Sánchez y Patricia Caro, que como siempre están dispuestos a participar.
Patricia comenzó contándonos las cinco primeras noticias que son:
1. El ex-planeta Plutón tiene un gemelo casi perfecto llamado Eris, con casi idéntico tamaño. Eris parece tener una superficie muy reflectante, lo que sugiere que está cubierto por una fina capa uniforme de hielo, con una atmósfera probablemente congelada.
2. Un experimento publicado en una revista de Psicología Experimental (Journal of Experimental Psychology) ha demostrado que las palomas pueden resolver pruebas matemáticas sencillas. Hasta ahora se pensaba que solamente los primates eran capaces de razonar numéricamente.
3. Los neandertales y los homínidos no estuvieron tan separados como se pensaba, sino que se entrecruzaron frecuentemente, y esto pudo suponer el fin de la especie neandertal.
Y por último,
4. Los movimientos de los bigotes de los ratones y las ratas hacia atrás y hacia adelante, a gran velocidad y de distintas maneras, les permiten percibir activamente el medio que les rodea, determinando la posición, la forma y la textura de los objetos.
5. Australopithecus sediba es un ancestro del ser humano que vivió hace 1,98 millones de años en la actual Sudáfrica, aproximadamente en la misma época en que las primeras especies Homo empezaron a aparecer en la Tierra. Los nuevos hallazgos sobre Au. sediba revelan que este remoto pariente del hombre moderno no sólo usaba sus manos para moverse por los árboles, sino que también era capaz de agarrar objetos.

Rocio nos ha comentado las siguientes noticias:

6. El sistema solar primitivo expulsó a un planeta gigante similar a Júpiter para "salvar" a la Tierra, según se desprende de un nuevo estudio publicado en una revista de astrofísica (The Astrophysical Journal Letters).
7. El virus más grande del mundo es el Megavirus chilensis y mide alrededor de 0,7 micras de diámetro, lo que implica que es de 10 a 20 veces más grande que la media de los virus.
8. Las personas con menos cualificación académica envejecen más rápido. La clave está en los telómeros que cubren el extremo de los cromosomas de su ADN, que son más cortos en las personas con menor nivel de estudios.
9. El deshielo en el Himalaya se está acelerando. Según expertos del Centro Internacional para el Desarrollo Integrado de Montañas (ICIMOD), entre los períodos 1980-2000 y 1996-2005, la tasa de derretimiento de los glaciares se ha duplicado. En los últimos treinta años, el área cubierta por glaciares en Bután disminuyó un 22% y un 21% en Nepal.
10. Las decisiones que tomamos en nuestras relaciones amorosas son la principal causa de arrepentimiento (18,1%), seguidas de las relativas a la familia (15,9%), la educación (13,1%), la carrera profesional (12,2%) y las finanzas (9,9%). Los datos se publicaban en una revista científica (Social Psychological and Personality Science), y dan mucho que pensar ¿no?.

Estas han sido las noticias científicas de hoy, la semana que viene continuaremos con más noticias sobre los descubrimientos del año pasado.

http://www.muyinteresante.es/25-cosas-que-hemos-descubierto-en-2011

Un paseo por la historia de las matemáticas: Los orígenes de la matemática clásica griega

En la historia de la civilización los griegos alcanzaron una posición relevante, y en la historia de la matemática su época fue una de las más brillantes. A pesar de que tomaron muchos elementos prestados de las civilizaciones vecinas, los griegos edificaron una civilización y una cultura originales, de las más impresionantes de toda la historia de la humanidad, la que más ha influido en el desarrollo de la cultura occidental moderna, y que fue decisiva en la fundamentación de la matemática tal como la entendemos hoy. Uno de los grandes problemas de la historia de la cultura es el de dar cuenta de la brillantez y de la creatividad de los antiguos griegos.

Aunque nuestro conocimiento de los orígenes de su historia está sujeto a revisiones y clarificaciones según vayan avanzando las investigaciones arqueológicas, tenemos motivos para creer, sobre la base de la Ilíada y la Odisea de Homero, del desciframiento de las antiguas lenguas y escrituras, y de las mismas excavaciones arqueológicas, que la civilización griega se remonta hacia el 2800 a.C. Los griegos se instalaron en Asia Menor, que pudo haber sido su lugar de origen, en el territorio continental europeo que constituye la Grecia moderna, y en el sur de Italia, Creta, Rodas, Delos y el norte de Africa. Hacia el 775 a.C., los griegos sustituyeron varios sistemas de escritura jeroglífica que utilizaban por la escritura alfabética fenicia. Con la adopción del alfabeto, los griegos se convirtieron en un pueblo más culto y mucho más capaz de registrar tanto su historia como sus ideas.

Con el establecimiento definitivo de los griegos en estos territorios, entraron en contacto comercial y cultural con los egipcios y los babilonios. Hay abundantes referencias en los escritos clásicos griegos a los conocimientos de los egipcios, a los que algunos griegos llegaron a considerar erróneamente como los fundadores de la ciencia, en particular de la agrimensura, la astronomía y la aritmética. Muchos griegos viajaron a Egipto para estudiar y conocer sus gentes, mientras otros visitaban Babilonia, y allí aprendieron su matemática y otras ciencias.

La influencia de Egipto y de Babilonia seguramente fue muy sensible en Mileto, una importante ciudad jónica en las costas de Asia Menor, en la que nacieron la filosofía, la matemática y las demás ciencias griegas. Mileto fue una importante y rica ciudad comercial del Mediterráneo, a cuyo puerto llagaban barcos tanto de la Grecia continental como de Fenicia y Egipto; Babilonia estaba conectada a Mileto por medio de rutas de caravanas hacia el Este.

A pesar de que la civilización griega antigua duró hasta el 600 d.C., aproximadamente, desde el punto de vista de la historia de la matemática conviene distinguir dos períodos: el clásico, que va desde el 600 al 300 a.C., y el alejandrino o helenístico, desde el 300 a.C. al 600 d.C. La adopción del alfabeto, que ya hemos mencionado, y el hecho de que el papiro estuviera disponible en Grecia durante el siglo VII a.C., quizás puedan explicar el florecimiento cultural que tuvo lugar hacia el 600 a.C. Indudablemente, el disponer de este material de escritura ayudó a la difusión de las ideas.

Sorprendentemente, las fuentes de las que procede nuestro conocimiento de la matemática griega son menos directas y fiables que las que tenemos de las matemáticas egipcia y babilónica, mucho más antiguas, debido a que no nos ha llegado ningún manuscrito original de los matemáticos griegos importantes de esa época. Una razón es la de que el papiro es un material de frágil consistencia; no obstante, los egipcios también utilizaron el papiro y, por suerte, se salvaron unos pocos de sus documentos matemáticos. Algunos de los voluminosos escritos griegos también podrían haber llegado hasta nosotros si no hubiesen resultado destruidas sus grandes bibliotecas.

Nuestras fuentes principales para las obras matemáticas griegas son los códices bizantinos manuscritos en griego, escritos entre 500 y 1500 años después de que fueran escritas las obras griegas originales. También disponemos a veces de traducciones al árabe de las obras griegas, y de versiones latinas de estas traducciones al árabe; aquí, una vez más, no sabemos qué cambios pueden haber realizado los traductores ni hasta qué punto entendían correctamente los textos originales.

Bibliografía

1. Durán Guardeño, Antonio J.:"El legado de las matemáticas. De Euclides a Newton. Los genios a través de sus libros". Consejería de Cultura (Junta de Andalucía), Universidad de Sevilla, RSME, SAEM Thales, Sevilla, 2000.

2. Klein, Carl B.:"El pensamiento matemático de la Antgüedad a nuestros días", vol I. Alianza Editorial, S.A., Madrid, 1992.

Mª del Carmen Torres Alonso

Profesora Dpto. de Matemáticas

Creta: la primera gran civilización europea.

Antes de las vacaciones nos habíamos sumergido en la arqueología egipcia de la mano de algunos de sus grandes faraones, hoy vamos a cruzar el Mediterráneo un poco hacia el norte, para hablar de la primera de las grandes civilizaciones europeas, contemporánea de algunos de esos faraones, con los que tuvo numerosos contactos. La primera civilización europea nació en la isla de Creta hace unos 4500 años. La historia de los antiguos habitantes de Creta comenzó a ser conocida a principios de este siglo, a partir de las excavaciones del arqueólogo Arthur Evans. El investigador inglés la llamó “minoica”, por el nombre del legendario rey Minos, el mítico fundador, según el historiador griego Tucídides, de la primera dinastía de gobernantes cretenses. Muchas leyendas griegas tienen su origen en Creta: el Minotauro y el laberinto, Ariadna y Teseo, incluso el principal dios griego, Zeus, según la mitología, fue criado en Creta por la cabra Amaltea, cuando su madre Rea, logró evitar que su padre, Cronos, se lo comiese… Es decir, para los propios griegos el origen de su civilización se encontraba en Creta. Pero, ¿qué sabemos hoy de esa isla y de su perdida civilización? ¿Qué nos cuenta la arqueología?
La isla de Creta está situada en el Mediterráneo, al sur del mar Egeo y a medio camino entre las costas de Turquía, Egipto y Grecia, por tanto, en un cruce de civilizaciones. Las excavaciones arqueológicas llevadas a cabo en la isla han permitido redescubrir la apasionante historia de una civilización cuyo recuerdo, perdido en los lejanos tiempos de la Edad del Bronce, se había borrado de la memoria del hombre. Sólo algunos soñadores como Schilemann, el descubridor de Troya, se dieron cuenta de la importancia de algunos objetos arqueológicos procedentes de allí, pero fue Sir Arthur Evans quien, a partir de 1900 y durante 30 años sacaría a la luz las ruinas del impresionante Palacio de Cnossos. Gracias a los objetos egipcios encontrados, Evans pudo datar los restos de los distintos palacios, entre el 3.400 y el 1.200 a. C., distinguiendo tres periodos: Mionico Antiguo, medio y reciente.
Las investigaciones sugieren que a principios del segundo milenio antes de Cristo se produjo en la isla un proceso de concentración de la riqueza y el poder en unas pocas manos, que hace que surjan, los denominados palacios cretenses, que no tienen paralelos en ese momento en otros lugares de la Grecia continental. Estamos en lo que Evans denominó Minoico Medio, o etapa de los "Primeros Palacios" (entre los años 2000 y el 1700 a.C.). Se han encontrado restos en Cnossos, Faistos, Mallia o Hagia Triada, que nos hablan del esplendor que esos primeros palacios llegaron a alcanzar. Destruidos en torno al 1.700 a. C. por un terremoto, pronto fueron reconstruidos aún con mayor esplendor.
Estaban formados por un conjunto irregular de edificios que se levantaban sobre un sistema de terrazas, a distintos niveles, construidos en torno a un gran patio central, de forma rectangular y generalmente porticado. Tenían varias plantas con habitaciones de uso doméstico, talleres y almacenes, todo ello unido por multitud de corredores, pasillos y escaleras. Para la iluminación y ventilación a las habitaciones había pozos de luz distribuidos de forma irregular. No estaban amurallados, lo que hizo pensar a los investigadores en una sociedad pacífica basada en el comercio, la llamada “talasocracia cretense”.
En el palacio residía el Señor y su séquito, ejerciendo funciones administrativas y religiosas. Se piensa que era en su patio central donde se realizaban los juegos rituales de tauromaquia, en los que jóvenes acróbatas llevaban a cabo peligrosos saltos burlando las afiladas defensas del animal. Se nos escapa la simbología de este arriesgado ejercicio, aunque, sin duda, tenía un significado de tipo religioso. Destaca por su espectacularidad el Palacio de Cnossos, aunque, no consta que fuese realmente más importante que los demás. Es famoso por sus frescos, llenos de colorido que hacen pensar en una vida placentera y agradable, y por el llamado, salón del trono. El elevado número de habitaciones, patios y pasillos hizo creer a los griegos que se trataba del auténtico “laberinto” donde según la leyenda, el rey Minos tenía escondido al mítico Minotauro. Mitad toro, mitad hombre, éste devoraba a los jóvenes enviados desde Grecia como tributo hasta que Teseo lo mató, con la ayuda de Ariadna que le ayudaría a salir del laberinto…
Mito o realidad, lo cierto es que en torno al 1.350 a C. desaparecieron de forma repentina y definitivamente los palacios cretenses. Algunas hipótesis relacionan este final con la explosión del volcán de la isla de Tera, situada unos 100 Km al norte y que provocó un tsunami devastador que afectó a toda la región. (El hundimiento de parte de la isla es para muchos el origen del mito de la Atlántida). Posteriormente los griegos de Micenas invadieron la región y acabaron con lo que quedó de los palacios cretenses. ¿Sucedió realmente así?, no lo sabemos. Lo que sí es cierto, es que los terremotos eran habituales en Creta y ya habían destruido otras veces los palacios y los santuarios cretenses. Así parece demostrarlo uno de los últimos descubrimientos en Creta. Antes de ese desastre, en la primera mitad del siglo XVII a.C., otro fuerte temblor de tierra, causó la destrucción de un pequeño templo situado cerca de Cnosos, en Anemospilia. Cuando los arqueólogos excavaron en ese lugar en 1979 se encontraron con una sorpresa que rompía los esquemas mentales sobre la dulzura de la civilización minoica. En palabras de su descubridor: "lo sorprendente fue el hallazgo de restos de varios seres humanos, uno de ellos, un adolescente que había sido sacrificado con un cuchillo de bronce; sobre todos ellos, se derrumbó el techo, cuando un seísmo, los sorprendió en medio de la ceremonia de sacrificio...". "El templo de Anemospilia descubre una faceta nueva sobre Creta, común en las civilizaciones antiguas. En situaciones excepcionales, para calmar la cólera de los dioses, o para remediar grandes males, no era extraño acudir a decisiones drásticas como los sacrificios humanos. Recuérdense, a título de ejemplos, el sacrificio de Isaac de la Biblia, o el de Ifigenia, la hija de Agamenón, forzado para obtener los vientos favorables que permitieran a los griegos navegar hacia Troya".
¿No es apasionante? Las excavaciones en Creta aún continúan, y aun quedan muchos enigmas por resolver, empezando por el de la propia escritura cretense, el lineal A que aún no ha sido descifrada, ¿quién sabe qué nuevos descubrimientos nos deparará el futuro? Como siempre aquí estaremos para contároslo…
Fuentes:
http://perso.wanadoo.es/historiaweb/antiqva/creta/index_creta.htm
http://www.portalplanetasedna.com.ar/creta.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Civilizaci%C3%B3n_minoica

Elena Toribio

10 años de la muerte de Camilo José Cela.

Los alumnos Alba Pérez, Saray Cortijo y Juan Antonio Macías han dedicado el espacio radiofónico "Noticias de actualidad" que abre el Punto hits a los 10 años de la muerte de Camilo José Cela que se cumplen precisamente hoy. Este escritor gallego cultivó fundamentalmente la novela, aunque también escribió bastante ensayo, libros de viajes, poesía, estudios lexicográficos, algo de teatro y estuvo muy vinculado al mundo de la prensa con numerosos artículos publicados. A lo largo de su vida recibió importantes galardones (Premio Nobel de Literatura en 1989, Premio Cervantes en 1995 y Premio Príncipe de Asturias de la Letras en 1987 entre otros), fue miembro de la Real Academia, fue también Doctor Honoris Causa por numerosas Universidades y se le otorgó en 1996 el Marquesado de Iria Flavia por sus méritos literarios. De su extensa producción podemos destacar obras tan emblemáticas como La familia de Pascual Duarte del año 1942, que inauguró hace ahora 70 años el tremendismo en la narrativa de posguerra española, La colmena en el año 1951, una de las obras más representativas del realismo crítico en los año 50, Mazurca para dos muertos en 1983, que recibió el Premio Nacional de Narrativa en ese mismo año o La cruz de San Andrés, Premio Planeta en 1994. Fue un escritor de carácter, sus declaraciones generaron más de una vez controversia y él mismo dijo en Memoria, entendimiento y voluntades: "Con frecuencia pude hacer más veces lo que quise que lo que me dejaban hacer; todo es cuestión de aferrarse a una idea o a un sentimiento y no cejar ni un solo instante en el firme propósito de no abrir la mano jamás". Cerramos esta sección escuchando la voz de este gran escritor, perteneciente a un documento sonoro en donde el Cela es entrevistado en el año 1976 por Soler Serrano.

Estantería de Cómics.

Como parte de la Formación en Centro y para daros a conocer a todos la colección de cómics que hay en nuestra biblioteca, hemos creado una estantería dentro del blog (en la barra lateral debajo de los sitios de interés) en la que podréis ir viendo esta colección. Empezamos por los libros que pertenecen a la colección de Asterix el Galo. Esperamos que os guste.

Escuela: espacio de paz.

Los alumnos Elena Bellido, Guillermo Jiménez, Mª José Torres, Patricia Piñero y Fátima Sánchez retoman la sección "Escuela: espacio de paz", muy vinculada -como sabéis- a la página oficial de la ONU con la referencia a la conmemoración del Año Internacional de la Energía sostenible para todos a lo largo del presente 2012. La ONU pretende concienciar al mundo de la importancia de aumentar el acceso a la energía sostenible y de potenciar la eficacia energética y la energía renovable en el ámbito local, nacional, regional e internacional. Las energías renovables (hidroeléctrica, eólica, solar, geotérmica, maremotriz, biomasa, undimotriz o biocombustible) son aquellas que se obtienen de fuentes naturales, en teoría inagotables, y revierten a largo plazo en la mejora del medio ambiente, no son contaminantes y son una buena alternativa para que todas las personas del mundo tengan acceso a la energía. De hecho, como informa la ONU, actualmente 1.400 millones de personas carecen de acceso a la energía moderna, y 3.000 millones dependen de la «biomasa tradicional» y del carbón como las principales fuentes de energía. Por tanto, la potenciación de las energías renovables se hace cada vez más necesaria, pues constituyen uno de los Objetivos de Desarrollo del Milenio, tienen un efecto inmediato en la salud al no ser contaminantes, en el cambio climático y en la seguridad alimentaria e hídrica de nuestro planeta.

Origen y desarrollo de la ópera en Italia.

Como ya comenté la semana pasada, durante el Barroco se acentúa la expresión de los sentimientos. Los músicos, al darse cuenta de la dificultad de poder expresar sus sentimientos a través del conjunto polifónico, entre los siglos XVI y XVII intentan sustituir paulatinamente las voces del madrigal por instrumentos, los cuales terminan por acompañar a un solista. A esta textura se la denomina monodia acompañada. Esta evolución se puede observar a través de los libros de madrigales de Monteverdi. Los cuatro primeros son clásicos, dentro de la corriente polifónico renacentista, pero el séptimo, octavo y noveno contiene escenas casi operísticas.
Pero ¿cómo surgió la ópera? Un grupo de artistas, literatos y músicos crearon una academia de carácter informal instalada en el Palacio de los Condes de Bardi en Florencia. Más adelante, el cantante y compositor Giulio Caccini, se refirió a este lugar como “camerata” (club o tertulia). El lema de estos autores era la vuelta al helenismo: intentar resucitar el drama musical griego. Llegaron a la conclusión de que los griegos eran capaces de obtener efectos emotivos debido a que su música constaba de una sola línea melódica, atacando así al contrapunto vocal: varias voces simultáneas con distintas melodías y ritmos jamás podrían plasmar el mensaje emocional del texto. También llegaron a la conclusión de que las antiguas tragedias griegas se cantaban en su totalidad. Y todos se esforzaron en hallar una melodía entre recitado hablado y canto surgiendo el estilo recitativo de melodía acompañada: la melodía sostenida por las notas de un bajo continuo tiene libertad de acción, permitiéndose disonancias, y cuando había que reforzar una palabra o sílaba se aprovechaba una nota consonante.
La primera ópera, “Eurídice” de Peri, se estrenaría en Florencia en 1600 en colaboración con Caccini. Éste último condensaría los tres grandes principios del nuevo estilo: declamación dramática en estilo recitativo, pasajes melódicos del solista a los que llamaría “aria” con leve acompañamiento instrumental y el uso de una voz baja a la que pronto se le añadirían unas cifras indicativas de los acordes que habían de improvisarse, llamada “bajo continuo”. Las innovaciones de los florentinos pronto echaron raíces en Roma, porque había ricos dispuestos a ofrecer las mejores diversiones. Aquí la ópera cómica inició su carrera como opuesta a la seria de temas mitológicos. La separación entre aria y recitativo será más marcada y cobra más importancia el aria. También se hace un mayor empleo de los coros. Cuando subió al trono papal Inocencio X, cayó en desgracia la ópera, siendo derribados algunos teatros.
A mediados del siglo XVII será Venecia la que recogerá la herencia operística romana. En esta ciudad se abrirá el primer teatro público en 1637, con el montaje de Andrómeda, al que seguirán otros ocho teatros en el corto espacio de 50 años. Los argumentos operísticos seguirán siendo mitológicos, aunque disminuyen el número y extensión de los coros y adquiere un gran desarrollo el aria. Surge el empleo de intermedios llamados “ritornelos” e introducciones llamadas “oberturas” y “sinfonías” de carácter puramente instrumental. La orquesta se colocará delante del escenario y predominarán los instrumentos de arco. En este contexto cobra vital importancia la figura de Claudio Monteverdi, el cuál escribió sus dos últimas óperas para estrenarlas en los teatros de Venecia, “El retorno de Ulises” y “La coronación de Popea”. A pesar de la tendencia de separar los recitativos y arias, Monteverdi buscaba una mezcla fluida, usando distintas categorías de recitativo y de aria para caracterizar a los distintos personajes. Estamos escuchando algunos fragmentos de la ópera “La coronación de Popea” de Monteverdi. El argumento podemos resumirlo así: el emperador de Roma, Nerón, se enamora de Popea y la visita a su casa por la noche. Le pide que por el momento mantenga su relación en secreto. Por otra parte, Otone, el esposo de Popea, a la que ama tiernamente, se entera de que el emperador la pretende y Octavia, la esposa de Nerón, se lamenta de verse repudiada y le pide al filósofo Séneca que levante el pueblo contra Nerón. Pero Popea le acusa de traidor y Nerón decide eliminarlo ordenándole que se suicide y lo hace, abriéndose las venas en la bañera. Octavia pide a Otone que mate a Popea amenazándole con denunciarle por seductor y cuando se dispone a apuñalar a Popea, Venere, diosa del amor, da la alarma y Popea consigue escapar. Drusila, la primera mujer de Otone, que seguía enamorada de él y que le había ayudado a intentar matar a Popea, es detenida y condenada a muerte. Pero aparece Otone diciendo que el culpable era él y finalmente Nerón los destierra a los dos y a Octavia también. Nerón y Popea celebran su boda y son coronados emperadores triunfando así el amor.
A continuación escucharemos el único fragmento que se conserva de la ópera L’Ariadna de 1608 de Monteverdi: el lamento de Ariadna. Podemos observar como la pintura sonora del Renacimiento se transforma en expresión del sentimiento: pequeñas variaciones melódicas que sorprenden y disonancias como el semitono inicial que es símbolo de dolor o pausas repentinas que simbolizan primero la muerte y al final la resignación. Estamos al comienzo de la ópera y es el texto el que determina la forma. En éste aria se describe el dolor de Ariadna al ser abandonada en la isla de Naxos por el hombre que ama, Teseo. Dice el texto: “Déjame morir, ¡Oh Teseo!, Teseo mío, pues yo te quiero llamar mío, porque tú eres mío. Aunque, ¡ay! hombre cruel, huyes de mis ojos. ¡Retorna!, mi Teseo. Vuelve hacia mí, mi Dios. Vuélvete una vez más porque he dejado mi patria y mi reino. A quien ahora, en esta orilla, una manada de bestias salvajes y despiadadas, dejarán reducida a huesos. ¡Oh Teseo, mi Teseo! Si tú supieras, mi Dios, el tormento de la pobre Ariadna, quizá de repente volverías hacia mí la proa de tu embarcación. Pero con el viento sereno te vas feliz, mientras yo lloro. Para ti se prepara Atenas a recibirte con pompa fastuosa, y yo permanezco, pasto de fieras, en esta solitaria arena. Con alegría todos tus viejos parientes te abrazarán y yo no te veré más.¡Oh mi padre, oh mi madre!”

Celia Bueno

PETICIONES DE NUESTROS ALUMNOS

Acabamos de adquirir para nuestra BE tres libros que fueron pedidos por tres alumnas del centro. Se trata de En llamas, de Suzanne Collins; Donde los árboles cantan, de Laura Gallego e Indómita, P.C. Cast y Kristin Cast. Estas alumnas han leido obras anteriores de las autoras de los libros y estaban muy interesadas en las novelas citadas.
En la BE estamos muy atentos al gusto de nuestros alumnos y queremos atender sus peticiones en la medida de lo posible.
Ya sabéis que en el mostrador de entrada tenemos un documento en el que podéis apuntar vuestras peticiones.



Leer es siempre una apuesta segura.

Popkesí: Las Grecas

Hoy dedicamos nuestro espacio a las Grecas, un dúo formado por las hermanas Carmela y Tina Muñoz Barrull, que revolucionó el panorama musical español con su fusión de flamenco y rock demostrando a todo el mundo que se podía ir más allá de lo que se había hecho hasta entonces. Su influencia es innegable para el rock andaluz de la 2ª ½ de los 70 y para todo el nuevo flamenco que vino después y gente como Paco de Lucía o Camarón lo reconocieron abiertamente. Además fueron pioneras del llamado Sonido Caño roto, barrio marginal de Madrid, del que salieron Los Chorbos y Manzanita o el Luis. La infancia de las dos hermanas transcurre entre España y Argentina. Allí entran en contacto con la música americana y escuchan desde el rock de Jimi Hendrix hasta el jazz de George Benson, pero sin dejar lado música sudamericana ya que también oyen a Caetano Veloso. Para ellas la fusión de sonidos fue siempre algo natural. La jerezana Lola Flores fue importante en la carrera de las Grecas pues fue en su tablao, Caripén, conocen a su primer manager, Antonio Fernández, nombre clave para entender el flamenco de la época y José Luis de Carlos y Felipe Campuzano que quedan impactados por las dos hermanas que siempre cantaban al unísono, algo chocante en el flamenco.
Su primer gran éxito y por el que serán recordadas eternamente es Te estoy amando locamente, que salió como single en 1973. El productor José Luis de Carlos las puso con músicos flamencos y pop pero al final las acompaña de músicos de rock de enorme calidad (con los históricos guitarrazos de Carlos Villa). A pesar del temor de las hermanas a como serían recibidas por los flamencos, este single es un éxito que desborda todas las previsiones, se coloca número 1 cinco semanas consecutivas y vende quinientas mil copias. En él se utilizará el caló de manera brillante. ¿Quén no ha cantado alguna vez: Si me acombenzo, si me acombenzo... dame tu ausenci que sabe a beso...
Ante tal éxito, en 1974 se publica su primer Lp con un título que no requiere explicación: Gipsy rock. Como segundo single sale uno de los mejores temas de la carrera de las Grecas: Orgullo, compuesto por Jeros (el del medio de los Chichos que cantaron Estopa), un tema de desengaño amoroso que suena conmovedor en las voces de las Grecas. Gipsy rock es uno de los discos más rupturistas e innovadores de la música española quizá sólo comparable a la Leyenda del Tiempo de Camarón y el Omega de Morente y Lagartija Nick. En él Carmela y Tina hicieron lo que se vino a llamar fusión.
Aprovechando el tirón sacan al mercado su segundo Lp en 1975 con el título de Mucho más en el que nos dan a entender que este disco es una continuación del Gipsy rock que tanto había impactado pero ahora sin el factor sorpresa lo que se vio reflejado en el número de ventas. Los responsables del sonido son los mismos que los del disco anterior. El primer single fue Soy la que sufre por tu amor, libre adaptación del Eleonore del grupo norteamericano The Turtles. Se trata de una de las mejores versiones de las muchas que realizaron.
El segundo single es Yo no quiero pensar, una historia de amor desgarradora interpretada con la fuerza que sólo Las Grecas han sabido dar a sus canciones. Este tipo de temas son bastante típicos en su discografía. También en este disco está el Sagapó, una versión de Carmela de un tema griego que ya cantaban las hermanas cuando empezaron en los tablaos madrileños. Esta canción fue la responsable de su nombre artístico, igual que el Greco. Este disco ha sido eclipsado históricamente por Gipsy rock pero nos dejó canciones tan brillantes como las de su disco de debut que demuestran que las Grecas no fueron flor de un día a pesar de la imagen que, con el tiempo, nos ha quedado.
Como con el disco anterior no habían llegado a las mismas cifras que su disco de debut la CBS se plantea dar un giro sonoro a la carrera del dúo que queda plasmado en su tercer disco de 1976 con el título de Tercer Álbum. Se abandona un tanto la fusión de flamenco y rock y se apuesta por un sonido que mezcla el funky, el soul o el blues aunque la canción cumbre del disco es Anabalina de clara influencia árabe. Su segundo single fue Ilusionada. Como curiosidad, en este disco cantan por primera vez una canción cada hermana por separado. Los resultados del tercer álbum no fueron ni artística ni comercialmente sobresalientes a pesar de que representa el lado más arriesgado de las Grecas y ha quedado como una rareza dentro de su discografía.
Con su cuarto y último álbum, con el expresivo título de Casta viva de 1977, se abandonó el camino abierto por el Tercer álbum y se pretendió volver a los orígenes aunque el primer single Tic-Tac, fue un paso en falso ya que no resiste la comparación de los primeros singles de los discos anteriores. En el disco había canciones buenas pero quizá faltaron algunas de las que enganchan al oyente de manera inmediata.
El segundo single fue Mentira y nada más, de las mejores del disco. Este álbum fue un fracaso comercial a lo que hay que unir que su lugar estaba siendo ocupado por otra gente como los sevillanos Veneno, la rumba urbana de Los Chichos o Los Chunguitos o, un poco después, Camarón. Al mismo tiempo vieron como su último manager las había estafado y que, por las condiciones que éste imponía, tampoco gozaban de buena fama en el mundillo musical además de que hizo todo lo posible para que las Grecas no continuaran. “Casta viva” supuso el adiós prematuro de las hermanas Muñoz.
Y para terminar hemos dejado una canción del tercer álbum, compuesta y cantada por Tina y dedicada a su primera hija. Se trata de la conmovedora Saray. Camarón fue un gran fan de las Grecas y reconoció que aprendió mucho de la forma de cantar de Tina.
Fuentes:
- Diego A. Manrique: Por siempre Grecas. Libreto interior del doble CD recopilatorio del mismo título. Epic/Sony Music. 1995
- http://lafonoteca.net/grupos/las-grecas
- http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Grecas

Piezas favoritas del Barroco Instrumental

El Barroco musical es un periodo que abarca desde finales del siglo XVI hasta aproximadamente 1750, fecha de la muerte de Bach. El paso del Renacimiento al Barroco no fue al mismo tiempo en todos los países pero se acepta la fecha de 1600, cuando se representó en Florencia la ópera “Euridice” de Jacopo Peri.
Italia fue la nación más influyente de Europa. Francia, a partir de 1630 comenzó a desarrollar un estilo nacional que se opuso a las influencias italianas. En Alemania, la cultura musical debilitada durante el siglo XVI por la guerra de los treinta años, tuvo un resurgimiento posterior que culminó en la obra de Bach. En Inglaterra reinaba el estilo italiano. A finales del Barroco, la música se había convertido en un lenguaje internacional con raíces italianas.
Podemos distinguir tres periodos: 1) Barroco temprano o primer barroco (1570-1620) donde se produce una oposición al contrapunto, nace el estilo recitativo, la armonía tiene un carácter experimental sin una orientación tonal, uso libre de las disonancias y la música vocal se considera más importante que la instrumental; 2) Barroco pleno o medio (1620-1680), donde se vuelve a utilizar la textura contrapuntística, se crea una tonalidad rudimentaria que limitaba el uso de las disonancias, las formas musicales adquieren grandes dimensiones y se produce una separación clara entre música instrumental y vocal; 3) Barroco final o tardío (1680-1750) donde la tonalidad está plenamente establecida con un tratamiento especial de las disonancias y la música instrumental se desarrolla adquiriendo gran importancia. La mayor parte de los músicos del Barroco se agolpa en este periodo.
Si durante el Renacimiento el Humanismo revaloriza la figura del hombre, durante el Barroco se acentúa la expresión de los sentimientos, dando lugar a una libertad de formas. El virtuosismo individual, que se desarrolla gracias al arte de la ornamentación, sustituye al grupo coral y los intérpretes virtuosos que no necesitan partituras serán el centro de admiración. Si en las artes plásticas se produce una pérdida de la línea a favor de los efectos luminosos claro-oscuro y pérdida de la superficie plana en favor de la profundidad, en música esto se traduce en la importancia de la dinámica, los contrastes y el movimiento, oponiéndose al estatismo del Renacimiento. Todo esto se corresponde con la dinámica y movimiento interior necesario para la expresión de sentimientos.
La música que estamos escuchando se corresponde con el tercer periodo del Barroco. Hasta entonces, la música vocal había ejercido una hegemonía absoluta; ahora, por primera vez, la música instrumental va a rivalizar con la vocal en importancia. Esto se debe al grado de perfeccionamiento de los instrumentos y a las nuevas formas musicales instrumentales heredadas del periodo anterior.
Las piezas de contrapunto imitativo continuo, que no se dividían en secciones como el ricercare, dieron lugar al estilo fugado y a la fuga. Las piezas de contrapunto imitativo discontinuo, que se dividían en secciones como la canzona, dieron lugar a la sonata da chiesa (de iglesia). Las danzas y otras piezas con ritmos de baile se desarrollaron en suites. Otras piezas que se mantienen de estilo improvisado para un solo instrumento son las tocatas, fantasías o preludios. Por último, del estilo policoral veneciano, concretamente del estilo concertato, surgirá el concierto.
Algunas de las piezas instrumentales del Barroco tardío favoritas son el Canon de Pachelbel, piezas de estilo fugado como la sinfonía y piezas de suites de Bach, la Sarabanda de Haendel, el Rondeau de Purcell que posteriormente ha sido utilizado por Benjamín Britten en su Guía de Orquesta para Jóvenes, el Adagio de Albinoni y ciertos movimientos de los más de 400 conciertos de Vivaldi.

Celia Bueno.

Dos cuentos de Navidad.

Os dejamos en el presente artículo los relatos ganadores del Concurso de Cuentos de Navidad organizado por el Departamento de LCL correspondiente al segundo nivel. Aprovechamos también para desearos hoy, 5 de enero, que los Reyes Magos sean muy generosos con todos ustedes.

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