En la presente entrada os dejamos este precioso Calendario de la Lectura para el curso 2012-2013 que ha elaborado la Fundación Alonso Quijano. La originalidad de este Calendario radica en la referencia diaria de un acontecimiento literario para cada día del año. Lo hemos dejado colocado de manera fija en el blog para que lo consultéis cuando lo consideréis oportuno.
jueves, 28 de febrero de 2013
miércoles, 27 de febrero de 2013
La magia del tango
El tramo final del
programa Jueves de cine lo hemos dedicado a uno de los géneros musicales más bonitos que
existen, por lo menos a mí me lo parece: se trata del tango, un estilo propio y
característico de Argentina y Uruguay, cuyo origen se encuentra en la mezcla de
culturas entre los inmigrantes europeos (fundamentalmente italianos y
españoles), y los nativos del Río de la Plata, entre los cuales se encontraban los gauchos, quienes -a finales del siglo XIX- se quedaban sin
trabajo en el campo y acudían a la ciudad de Buenos Aires en pleno auge de
crecimiento económico.
Pero el tango, es algo más
que el resultado de la fusión cultural y la mezcla de estilos musicales
diversos -como la “payada”, la “milonga campera pampeana”, el “camdombe
afroargentino” o la “habanera cubana”-, pues es fruto también de la expresión
musical de una sociedad urbana integrada
en sus orígenes por las clases más bajas: las prostitutas, los delincuentes
y en definitiva por aquellos que vivían al margen de la sociedad y hablaban la
lengua de los arrabales, el lunfardo.
Precisamente por esta
génesis marginal, porque se bailaba en las calles y burdeles y porque sus
letras eran en principio procaces, el tango estuvo muy mal visto por las clases
pudientes, hasta tal punto que su mala fama llegó hasta el Vaticano y se dice que
antes de que comenzara la I Guerra Mundial el emperador de Alemania, Guillermo
II, prohibió a los oficiales que vestían uniforme que bailaran este baile
considerado totalmente deshonesto.
Estamos en el primer
cuarto del siglo XX, y si por un lado Guillermo II o el Vaticano ponían el
grito en el cielo con el lenguaje irreverente y picaresco del tango, y con su
tono erótico y sensual, paralelamente los ricos que habían visitado los prostíbulos
o lupanares de los arrabales argentinos, llevan el tango a París, comenzando
así una nueva etapa para este género musical. La ciudad de París, por aquel
entonces llena de artistas que querían empaparse de las nuevas corrientes y que
vivían al margen de los cánones sociales establecidos, acogen estupendamente el
tango y este es el comienzo de su salto a la fama.
El espaldarazo definitivo
vendría de la mano del cantante, compositor y actor de cine Carlos Gardel
(1890-1935), quien se inició primero como payador hasta que alcanzó la fama
mundial y se convirtió en un auténtico mito del cine, y del tango por supuesto.
Algunas de sus creaciones forman ya parte de la historia de la música del siglo
XX como La cumparsita, El choclo, el
Caminito, El día que me quieras o Por
una cabeza. Este último tango, mi preferido (por cierto), fue compuesto en 1935 conjuntamente por Carlos Gardel y el letrista Alfredo Le
Pera para su última película, Tango
bar, y es hoy por hoy uno de los tangos más famosos, entre otras cosas por
su presencia en el cine.
La primera película que me
viene a la cabeza es La lista de Schindler, la oscarizada cinta de 1993
dirigida por S. Spielberg, inspirada en la historia del empresario alemán Oskar
Schindler, el salvador (por si no lo sabéis) de más de mil judíos, que gracias
a él consiguieron escapar del exterminio de los campos de concentración. Los
que han visto esta magnífica película recordarán el comienzo, en el que Liam
Neeson, el actor estadounidense que interpreta a Schindler se prepara para
sacar provecho de la guerra, creando una fábrica de artículos de cocina.
Estamos en septiembre de 1939, Polonia ha sido conquistada recientemente y los
alemanes celebran, orgullosos, su victoria.
Mientras suena el tango “Por una cabeza” la sensualidad y la belleza de
su música contrasta con una Europa herida de muerte por Hitler, en donde el
fantasma del holocausto que se avecina la va cubriendo con su manto de ceniza.
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Este tango también aparece
en la entretenida película de acción Mentiras arriesgadas (1994) en
donde Arnold Swarseneger lo baila al principio y al final de la cinta
(la última con Jamie Lee Curtis); o en Esencia de mujer (1992), en donde
el Teniente Coronel retirado, Frank Slade, interpretado por un magistral Al Pacino se deja llevar por la música de Carlos Gardel:
la escena es realmente fantástica. 
Y
ahora sí nos despedimos con un guiño a la literatura porque si no esta sección,
Cine y Literatura, dejaría de tener sentido. Y qué mejor que la voz de un
argentino de fama universal, Jorge Luis Borges, para poner el broche de oro a
este especial de tango. Os dejamos con su poema Tango y si queréis escuchar su voz podéis pinchar en el siguiente enlace.
¿Dónde estarán? pregunta la elegía
de quienes ya no son, como si hubiera
una región en que el Ayer, pudiera
ser el Hoy, el Aún, y el Todavía.
¿Dónde estarán? (repito) el malevaje
que fundó en polvorientos callejones
de tierra o en perdidas poblaciones
la secta del cuchillo y del coraje?
¿Dónde estarán aquellos que pasaron,
dejando a la epopeya un episodio,
una fábula al tiempo, y que sin odio,
lucro o pasión de amor se acuchillaron?
Los busco en su leyenda, en la postrera
brasa que, a modo de una vaga rosa,
guarda algo de esa chusma valerosa
de Los Corrales y de Balvanera.
¿Qué oscuros callejones o qué yermo
del otro mundo habitará la dura
sombra de aquel que era una sombra oscura,
Muraña, ese cuchillo de Palermo?
¿Y ese Iberra fatal (de quien los santos
se apiaden) que en un puente de la vía,
mató a su hermano, el Ñato, que debía
más muertes que él, y así igualo los tantos?
Una mitología de puñales
lentamente se anula en el olvido;
Una canción de gesta se ha perdido
entre sórdidas noticias policiales.
Hay otra brasa, otra candente rosa
de la ceniza que los guarda enteros;
ahí están los soberbios cuchilleros
y el peso de la daga silenciosa.
Aunque la daga hostil o esa otra daga,
el tiempo, los perdieron en el fango,
hoy, más allá del tiempo y de la aciaga
muerte, esos muertos viven en el tango.
En la música están, en el cordaje
de la terca guitarra trabajosa,
que trama en la milonga venturosa
la fiesta y la inocencia del coraje.
Gira en el hueco la amarilla rueda
de caballos y leones, y oigo el eco
de esos tangos de Arolas y de Greco
que yo he visto bailar en la vereda,
en un instante que hoy emerge aislado,
sin antes ni después, contra el olvido,
y que tiene el sabor de lo perdido,
de lo perdido y lo recuperado.
En los acordes hay antiguas cosas:
el otro patio y la entrevista parra.
(Detrás de las paredes recelosas
el Sur guarda un puñal y una guitarra.)
Esa ráfaga, el tango, esa diablura,
los atareados años desafía;
hecho de polvo y tiempo, el hombre dura
menos que la liviana melodía,
que solo es tiempo. El Tango crea un turbio
pasado irreal que de algún modo es cierto,
el recuerdo imposible de haber muerto
peleando, en una esquina del suburbio.
De: El otro, el mismo
de quienes ya no son, como si hubiera
una región en que el Ayer, pudiera
ser el Hoy, el Aún, y el Todavía.
¿Dónde estarán? (repito) el malevaje
que fundó en polvorientos callejones
de tierra o en perdidas poblaciones
la secta del cuchillo y del coraje?
¿Dónde estarán aquellos que pasaron,
dejando a la epopeya un episodio,
una fábula al tiempo, y que sin odio,
lucro o pasión de amor se acuchillaron?
Los busco en su leyenda, en la postrera
brasa que, a modo de una vaga rosa,
guarda algo de esa chusma valerosa
de Los Corrales y de Balvanera.
¿Qué oscuros callejones o qué yermo
del otro mundo habitará la dura
sombra de aquel que era una sombra oscura,
Muraña, ese cuchillo de Palermo?
¿Y ese Iberra fatal (de quien los santos
se apiaden) que en un puente de la vía,
mató a su hermano, el Ñato, que debía
más muertes que él, y así igualo los tantos?
Una mitología de puñales
lentamente se anula en el olvido;
Una canción de gesta se ha perdido
entre sórdidas noticias policiales.
Hay otra brasa, otra candente rosa
de la ceniza que los guarda enteros;
ahí están los soberbios cuchilleros
y el peso de la daga silenciosa.
Aunque la daga hostil o esa otra daga,
el tiempo, los perdieron en el fango,
hoy, más allá del tiempo y de la aciaga
muerte, esos muertos viven en el tango.
En la música están, en el cordaje
de la terca guitarra trabajosa,
que trama en la milonga venturosa
la fiesta y la inocencia del coraje.
Gira en el hueco la amarilla rueda
de caballos y leones, y oigo el eco
de esos tangos de Arolas y de Greco
que yo he visto bailar en la vereda,
en un instante que hoy emerge aislado,
sin antes ni después, contra el olvido,
y que tiene el sabor de lo perdido,
de lo perdido y lo recuperado.
En los acordes hay antiguas cosas:
el otro patio y la entrevista parra.
(Detrás de las paredes recelosas
el Sur guarda un puñal y una guitarra.)
Esa ráfaga, el tango, esa diablura,
los atareados años desafía;
hecho de polvo y tiempo, el hombre dura
menos que la liviana melodía,
que solo es tiempo. El Tango crea un turbio
pasado irreal que de algún modo es cierto,
el recuerdo imposible de haber muerto
peleando, en una esquina del suburbio.
De: El otro, el mismo
El Tango, Jorge Luis Borges
Bibliografía:
AUDIO DEL POEMA DE JORGE LUIS BORGES:
Jueves de cine.
El programa “Jueves de Cine”
de hoy es una edición especial. Concretamente, os ofrecemos una selección de
las películas más premiadas en la última edición de los Óscar. A continuación,
Rosa Mª Calderón nos brindó en su sección, Cine y Literatura, un monográfico muy musical dedicado
al tango y sus vínculos con el mundo del cine.
Ya sabéis que este año los
premios de la Academia de Cine americana han sido muy repartidos. Las cinco películas que os
mostramos a continuación son las que acumulan los galardones más relevantes. Por
cierto, de todas ellas os hemos hablado ya a lo largo del curso en nuestra
sección habitual dedicada a estrenos; podéis ver los comentarios en las reseñas anteriores de nuestro blog.
“AMOR”. 1 PREMIO. Película austríaca, dirigida por Michael Haneke.
ÓSCAR
A LA MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA.
“LOS MISERABLES”. 3 PREMIOS. Película británica, dirigida
por Tom Hooper.
ÓSCAR
A LA MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: ANNE HATHAWAY
ÓSCAR
AL MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
ÓSCAR
AL MEJOR SONIDO
“LINCOLN”. 2 PREMIOS. Película
norteamericana, dirigida por Steven Spielberg.
ÓSCAR
AL MEJOR ACTOR: DANIEL DAY-LEWIS
ÓSCAR
AL MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
“LA VIDA DE PI”. 4 PREMIOS. Película
norteamericana, dirigida por Ang Lee.
ÓSCAR
AL MEJOR DIRECTOR
ÓSCAR
A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
ÓSCAR
A LA MEJOR BANDA SONORA
ÓSCAR
A LOS MEJORES EFECTOS VISUALES
“ARGO”. Película
norteamericana, dirigida y protagonizada por Ben Affleck.
ÓSCAR
A LA MEJOR PELÍCULA
ÓSCAR
AL MEJOR GUION ADAPTADO
ÓSCAR
AL MEJOR MONTAJE
Ofrecimos también al principio del programa el pequeño resumen que la primera cadena de TVE dedicó a la ceremonia.
Javier Tinoco
martes, 26 de febrero de 2013
Popkesí: La Buena Vida 1 (1992-1999)
Esta semana protagoniza nuestro espacio uno de los grupos
fundamentales de las dos últimas décadas: hablamos de los donostiarras La Buena Vida.
En esta primera parte nos centraremos en los años que van desde el 92 al 99. El grupo estaba formado por Irantzu Valencia, Mikel Aguirre, Pedro San Martín, Javier Sánchez, Raúl Sebastián y Borja Sánchez.
Aunque comienzan en el 88, su presentación oficial se
produce en julio de 1992 en la primera fiesta de la discográfica Siesta que,
por aquel entonces, también empezaba. Aunque sólo contaban con una maqueta con
unas pocas canciones, Siesta les da la
oportunidad y obtienen en Madrid un rotundo éxito. La maqueta comienza a
escucharse en la radio y a finales de ese año publican su primer EP “La Buena Vida”
que se abre con su tema más destacable: Hoy es domingo con influencias de The Smiths. La producción es deficiente sobre todo en el
aspecto vocal pero la acogida es inmejorable. La portada será de su habitual
desde entonces: Javier Aramburu. 
Su esperadísimo primer LP sale en agosto de 1993, repitiendo en los
estudios De Lucas en San Sebastián, y de nuevo con el nombre de La Buena Vida.
El disco contiene 13 temas ya conocidos porque habían sido tocados en sus
conciertos y sigue su línea de ritmos ágiles, voces alegres y extrema candidez.
Aunque los medios son escasos, la evolución musical es perceptible tanto en
instrumentos como en voces y dejaba asentada una nueva forma de entender la
música que se vino a llamar Donosti Sound
junto a grupos como Family, Le Mans, El joven Bryam o Daily Planet. Su éxito En Bicicleta
ya presagia lo que el grupo nos iba a deparar.
Los éxitos y las buenas críticas siguen aumentando y unos
meses después de la salida de su primer LP lanzan en 1994 un Ep con cuatro
temas inéditos, otra vez bajo el título de “La Buena Vida”. En él se palpan algunos cambios
en Malabares
que aunque conserva su esencia infantil tiene una visión distinta en las
melodías al estilo de Duncan Dhu con magníficas guitarras y coros. El grupo no
para de dar conciertos y acaparar protagonismo. Rockdelux los escoge como mejor
grupo en directo del año.
Su segundo LP
aparece a finales de 1994 con el título de la "La Buena Vida" aunque
para distinguirlo de los tres discos anteriores será conocido como su
primer tema: Los Mejores Momentos, impregnado
de esa especie de alegre tristeza que caracteriza al grupo. Sin separarse de su
línea, el disco muestra una mejoría en letras y sonidos con un cierto aroma de
los 60. El grupo comenzaba a desprenderse del aire naif e inocente de sus
primeras canciones y a incorporar los primeros arreglos de viento y cuerda. Con
este disco llegan a un público más amplio, continúan las actuaciones, es
elegido nuevamente mejor directo del año y se consolida como uno de los grupos
líderes del indie español. 
En 1995 editan un nuevo EP “Magnesia” con cuatro temas, entre
ellos el que da título al disco Magnesia, que se convertirá en uno de sus grandes
clásicos. Este disco rompe en cierta forma con el pasado y supone una
sustancial mejora en música y composición. No abandonan su esencia frágil ni
sus clásicos paparapás pero sus
letras muestran una mayor y esperada madurez.
Ese año se estrenan en un evento de gran magnitud como es la primera
edición del Festival de Benicassim. La Buena Vida ya se han hecho un hueco en
la música indie española. 
El final del verano del 95 hace que por diversos motivos
los componentes se dispersen lo que afectará a su ritmo de trabajo por lo que
su siguiente Lp, Soidemersol, no
saldrá hasta 1997. La madurez adquirida por el grupo hace que este nuevo disco
se conciba como algo grandioso con unos fabulosos arreglos orquestales,
impensables hasta ese momento. Siesta llega a la conclusión que sólo se puede
conseguir ese objetivo pasando el grupo a una multinacional: Mercury-PolyGram.
Tras buscar a productores de prestigio, deciden producirse ellos mismos ya que
tenían los arreglos muy claros y definidos. Soidemersol está considerado como
el álbum más importante de la Buena Vida por el viraje y el salto de calidad
que supuso en su carrera llegando a un lirismo inusual y sublime. Los temas
fueron muy trabajados y se decidió incorporar el piano de Joserra Semperena, que
se convertirá en colaborador habitual y una orquesta de veinte músicos que se
grabó en Londres bajo la batuta de Louis Phillippe. La mezcla final se hace en
Madrid en el otoño del 96, el extraño nombre del disco se debe a un restaurante
que frecuentaba el grupo por entonces. El tema que se elige como avanzadilla de
este disco será Pacífico,
uno de los mejores ejemplos de la belleza instrumental y la delicadeza que
desprende el álbum. El segundo sencillo será uno de los mejores temas en la
carrera de la Buena Vida, Desde hoy en adelante. Aunque la preparación del
disco para el directo no es fácil, la presentación en Barcelona y Madrid se
saldan con rotundos éxitos ante un público entregado. 
La relación con la multinacional se va enfriando al mismo
tiempo que La Buena Vida se va convirtiendo en un grupo de culto, en el que, de
manera natural, las letras y las melodías van evolucionando para hacerse más
complejas. Entre julio de 1998 y febrero de 1999 se graba su cuarto LP: Panorama,
otra vez en Siesta, incorporándose definitivamente José Luis Lanzagorta
a los teclados. Panorama se ha definido como un disco espiral porque gira sobre
sí mismo en torno a una sensación de dulce amargor. El grupo se ha terminado de
encontrar y se ha definido abandonado totalmente la candidez y la inocencia de
sus inicios haciéndose más nocturnos, urbanos y melancólicos. El disco continúa con la
fórmula del disco anterior, es decir arreglos orquestales en unas composiciones
deliciosas, pero dejan de lado las guitarras frente a los teclados y
sintetizadores. Como single de presentación se elige Tormenta en la mañana de la vida que será seleccionada por Rock de Luxe como
una de las mejores canciones nacionales del año. El otro tema que hemos
seleccionado es bonus track con el que se cierra el disco Panorama,
una pieza breve que encandila y enamora como el resto de las canciones. Las actuaciones
programadas por todo el país a raíz de este disco se saldan con un éxito
arrollador que confirman la situación de privilegio de la Buena Vida en la
escena independiente española y también internacional pues este disco se
editará en Corea. Pero la historia sigue y en otro programa nos adentraremos en
los 2000.
Fuentes:
lunes, 25 de febrero de 2013
Lunes de radio
El tiempo de radio de hoy
lunes ha estado ocupado por las dos secciones que ya vienen siendo habituales:
“Los recreos musicales” y “Cajón de sastre”. En la primera de ella nuestra
compañera del Dpto. de Música, Chana López, y los alumnos de 1º de ESO C,
Javier Lapeña y Juan Antonio Cuéllar, han hablado de la extraordinaria “suite” Peer
Gynt fruto del talento del
compositor y pianista noruego E. H.
Grieg (1843-1907) y de la genialidad del escritor H. Ibsen, autor de
reconocidas obras como Casa de muñecas, Hedda Gabler, El pato
salvaje o Un enemigo del pueblo. De esta obra hemos escuchado en
la radio la pieza de apertura, La mañana, que ha pasado a convertirse en la música del amanecer
por excelencia; el octavo número de esta partitura, En la cueva del rey de la
montaña, uno de los
movimientos más populares de la historia de la música; La danza de Anita, en donde Anita baila para Peer Gynt en la tienda
de un jeque árabe; y por último, La canción de Solvieg, con la
que se ha cerrado esta preciosa sección dedicada al mundo de la música
clásica.
Si quieres saber más de esta suite pincha en el siguiente enlace.
A continuación, los alumnos
Emilio José Moreno y Francisco de la Cruz, también de 1º de ESO C, nos han
hablado en su sección radiofónica, Cajón de sastre, del origen de la máquina de
escribir. Ha abierto y cerrado esta sección la pieza musical “La máquina de escribir”, una obra del año
1950 perteneciente al compositor norteamericano Leroy Anderson (1908-1975), que
fue utilizada dentro de la banda sonora de la película Lío en los grandes
almacenes protagonizada por el actor cómico Jerry Lewis, y que nuestra
compañera Chana López nos dio a conocer en uno de sus Recreos musicales.
Por problemas técnicos no se ha podido emitir la
sección dedicada a la música pop, Explosión 21.
El Cádiz fenicio: la primera ciudad de Occidente.
Si en nuestro último programa hablábamos de la mítica ciudad de Troya, hoy volvemos a Cádiz del que ya hablamos en nuestro primer programa. Vamos a hablar de esta maravillosa ciudad que tiene el record de ser la más antigua de occidente, pero que, a diferencia de Troya, aún está viva y “coleando”. Una ciudad con 3.000 años de historia que nos permite disfruta de su sol y aún nos hace reír y vibrar con su carnaval y sus chirigotas, vamos a hablar de la perla de Occidente, de la mítica … Gadir, Gades o Cádiz
Desde la antigüedad, la tradición afirmaba que Gadir
había sido fundada “ochenta años después
de la caída de Troya”, es decir, hacia el año 1.104 a. C., y aunque esta fecha
parecía demasiado lejana, recientes descubrimientos de algunas estructuras urbanas, nos sitúan ya en
pleno en el S. IX a C., tal vez después de todo, los arqueólogos deban darle la
razón al historiador romano Veleyo
Patérculo.
Pero es el geógrafo griego Estrabón quien, basándose en otro relato más antiguo
de Posidonio, nos habla de cómo los fenicios
procedentes de Tiro, siguiendo las indicaciones de un oráculo fundaron
la ciudad de Gadir. Según este relato, el oráculo mandó a los tirios fundar una
ciudad más allá de las columnas de Hércules o Heracles. Tras dos intentos fallidos uno al este y otro
al oeste del Estrecho de Gibraltar, en los que los sacrificios ofrecidos a los
dioses no resultaron favorables, la tercera intentona se saldó con éxito. La
nueva colonia recibió el nombre de la muralla que la rodeó, pues gadir era el nombre que los fenicios
daban a un “recinto cerrado.
El
emplazamiento de la ciudad seguía el patrón de los asentamientos fenicios, se
buscaban lugares fácilmente defendibles: islas cercanas a la costa (como la
propia Tiro), penínsulas y promontorios (como Cartago) y lugares elevados en el
interior (como Asido=Medina Sidonia), todos ellos próximos a ríos navegables
por los que penetrar hacia el interior. En el caso de Gadir, la ciudad presentaba
una geografía particular. En realidad, se trataba de un archipiélago formado
por tres islas: las Gadeirai, las
“gaditanas”. Las dos más occidentales (Eritheia y Khotinoussa) estaban unidas
por un tómbolo, un barrera arenosa formada por los sedimentos del río Guadalete.
La tercera, al este, era la de Antípolis. El largo tómbolo arenoso permitía a
los barcos fondear en cualquiera de sus lados y
defenderse de los vientos dominantes de levante o poniente, lo que
convertía a Gadir en un puerto privilegiado y situado en una posición
estratégica inmejorable, en el punto de unión de la Europa atlántica, el
próximo oriente y África.
Los
tirios sabían esto, de hecho lo iban buscando, habían llegado a aquel remoto
lugar de Occidente en busca de metales, de plata, sobre todo, pero también de
oro y estaño. Y en el bajo Guadalquivir contaban con un proveedor excepcional
de plata: el mundo tartésico. Según
los relatos antiguos Tartessos
era tan rico que “los primeros fenicios
obtuvieron a cambio de aceite y pacotilla una cantidad de plata tal, que como
no cabía en sus barcos se vieron obligados a hacer de plata todos los
utensilios del barco, incluso las anclas…”. Aunque esto es un poco
exagerado, lo cierto es que el comercio de metales fue muy importante, pero además, la economía de la ciudad también se
sustentaba en la pesca del atún y en la exportación de productos agrícolas y de
salsas como el famoso garon, el garum de los romanos.
Pero
Gades también era famosa por sus
bailarinas (las puellae gaditanas) y
por los valientes marinos que desde la ciudad exploraron el Atlántico hasta el
Mar del Norte y el Golfo de Guinea, incluso
se ha llegado a pensar que pudieron circunnavegar África y que pudieron
alcanzar las costas de Brasil…
Estos
aguerridos marinos vivían en una ciudad de la que sabemos poco sobre su aspecto,
aparte de la presencia de los templos de la diosa Astarté y de Melkart.
Melkart, patrono de marinos y comerciantes, era el principal dios de Tiro y de
Gadir, al que los fenicios rendían especial culto y en cuyo templo encontramos
numerosos exvotos formados por figurillas de bronce. Más tarde este dios se
fundió con el griego Heracles para terminar convirtiéndose en el Hércules tan
presente en el estrecho de Gibraltar. El
santuario contaba con un famoso oráculo y allí se cerraban tratos y acuerdos
comerciales. Gadir contaría también con murallas, torres y puertas monumentales,
de las que no conocemos apenas casi nada.
Lo
poco que sabemos de la vida cotidiana de los fenicios gaditanos lo conocemos a
partir de los ajuares de la necrópolis, la ciudad de los muertos. Aunque sean especialmente famosos los sepulcros antropomorfos de Cádiz, otras
tumbas nos han proporcionado más información. En sus ajuares incluían desde cerámicas domésticas hasta objetos de
lujo; entre estos últimos se encontraban joyas, pendientes, anillos, cuentas de
collar y piezas de origen egipcio como los alabastros para ungüentos y perfumes,
y los escarabeos (piezas en forma de escarabajo, animal sagrado para los
egipcios). En relación con esto, el
pasado mes de diciembre se dio a conocer la noticia del descubrimiento cerca de Puertatierra de 12 nuevas tumbas de
época púnica, junto a otras de época romana, bajo el solar de la Subdelegación
del Gobierno de Cádiz. En ellas se han encontrado decenas de objetos
egipcios, lo que prueba los habituales vínculos
comerciales de Gadir con Egipto.
Y
hablando de Egipto y con esto termino, aprovecho para recordaros que ya está
expuesta en la biblioteca la vitrina con las nuevas “piezas del trimestre” y
que pronto sacaremos las preguntas del concurso, os animo a visitarla y a
concursar.
FUENTES:
Elena Toribio
domingo, 24 de febrero de 2013
CANTAUTORES: SERRAT. MIS POETAS.
Allá por el mes de marzo del pasado año, hicimos en Cantautores un programa dedicado a Joan Manuel Serrat. En el mismo prometimos que haríamos un segundo programa sobre este cantautor catalán centrándonos en sus versiones musicales de la obra de algunos poetas. Y aquí estamos, nuestro programa de hoy recogerá parte de la obra de dos poetas magníficos: Miguel Hernández y Antonio Machado. Podríamos decir que, a pesar de que Serrat ha musicado poemas de muchos autores, entre los que destacan Rafael Alberti, Mario Benedetti o León Felipe, entre otros, son M. Hernández y A. Machado a los que más atención ha prestado en su discografía, hasta el punto de que al primero ha dedicado dos discos completos y uno al segundo.En 1972, Joan Manuel Serrat edita un álbum dedicado a Miguel Hernández. Contiene varios poemas de este autor musicados, a mi entender, de una forma muy acertada. La música, no solo enriquece a los textos, sino que además les añade honda emoción. Miguel Hernández Gilabert nace en Orihuela el 30 de octubre de 1910 y muere en la cárcel de Alicante el 28 de marzo de 1942. Fue poeta y dramaturgo y, aunque tradicionalmente se le ha encuadrado en la generación del 36, mantuvo una mayor proximidad con la generación anterior hasta el punto de ser considerado por Dámaso Alonso como «genial epígono de la generación del 27».
El labrador de más aire es una de las primeras obras de teatro del poeta, fue publicada en 1937 y se inscribe en el teatro social de su producción. Escrita en verso, tiene una clara intención social, ya que muestra la preocupación de Miguel Hernández por los problemas de la época que vivió, en plena Guerra Civil Española. En la obra, hay una hermosa escena en la que uno de los protagonistas exalta las fiestas mayo. Recorre Miguel, la fauna ibérica (toros, ciervos, cabras, ovejas, lobos, asnos...) y anima a la muchachada a celebrar las fiestas de mayo. La música que añade Serrat completa acertadamente el poema. Es el Romancillo de mayo.
Tomó Serrat la segunda parte del poema El herido - contenido en el libro El hombre acecha (1937-1939)- y lo llamó Para libertad, verso con el que comienza. Conocemos este libro casi de milagro. En abril de 1939 el general Francisco Franco declaró concluida la guerra se había terminado de imprimir la obra en Valencia. Aún sin encuadernar, una comisión depuradora franquista ordenó la destrucción completa de la edición. Sin embargo, dos ejemplares que se salvaron permitieron reeditar el libro en 1981. El hombre acecha es una honda reflexión acerca de la guerra y su sentido. Sin olvidar el compromiso ideológico, es también una llamada a los poetas, a los soldados republicanos, a los españoles todos para advertir de la posibilidad de la esperanza.
EL HERIDOPara el muro de un hospital de sangre.
La que contengo es poca para el gran cometido
de sangre que quisiera perder por las heridas.
Decid quién no fue herido.
Mi vida es una herida de juventud dichosa.
¡Ay de quien no está herido, de quien jamás se siente
herido por la vida, ni en la vida reposa
herido alegremente!
Si hasta a los hospitales se va con alegría,
se convierten en huertos de heridas entreabiertas,
de adelfos florecidos ante la cirugía
de ensangrentadas puertas.
Quisimos leer en el programa las últimas estrofas de El herido y así lo hizo nuestra compañera Concha Román. Después, Para la libertad.
Menos tu vientre es un poema contenido en el libro Cancionero y Romancero de ausencias (1938-1941). Su escritura, por tanto, es coetánea a El hombre acecha. Sin embargo, en el Cancionero, Miguel Hernández logra una síntesis entre lo estético y lo ético. Hay quien ha señalado que en este libro vuelve el poeta al subjetivismo abandonado por su compromiso político. Quizá…, sí es cierto que hace del discurso amoroso su centro, al menos en los poemas como el que traemos Menos tu vientre, un contrapunto entre el ansia amorosa y la llamada que hace a su mujer, que lo salva de la humillación al estar encarcelado. El poeta es capaz de sentirse libre por el amor irradiado hacia su mujer, ella misma logra su libertad de toda angustia. El amor libera y enaltece en el dolor. Lo cierto solo está en su vientre. En la interpretación de este poemas escuchamos la versión de Javier Sin Más y Juan Núñez. Resultó preciosa. No creo que necesite más calificación. Recomiendo escucharla en el podcast del programa.
El álbum sobre la poesía de Antonio Machado que realizó Joan Manuel Serrat vio la luz en 1969. En un principio, poca gente de la discográgica Zafiro, la productora del disco, confiaba en que el elepé cosechara buenos resultados comerciales, pero afortunadamente no fue así, ya que el mismo Serrat afirmó en 2000 que este disco había sido uno de los que más había vendido.
Poeta sevillano nacido en la capital andaluza en 1875, estudió en Madrid en la Institución Libre de Enseñanza. Dio clases en un instituto de Soria, donde conoce a Leonor Izquierdo, de la que se enamora profundamente. A los tres años de casados, ella muere y el poeta, muy afectado, abandona Soria y sus recuerdos y marcha a Baeza (Jaén). Más tarde lo trasladan a Segovia y alterna esta ciudad con Madrid hasta el estallido de la Guerra Civil.
Uno de los temas más memorables del disco fue La saeta, poema incluido en Campos de Castilla, una de sus obras más importantes. El paisaje castellano se identifica con las gentes de Castilla y el atraso cultural y el abandono de las tierras devuelven a Machado a la realidad y a la decadencia del país. Este tema es muy característico de la época a la que pertenece, la de la Generación del 98 y el Modernismo. Sin embargo, La saeta, trata un tema diferente, más cercano a las raíces andaluzas del poeta: una saeta popular sirve a Machado para reivindicar su idea de Jesús y de la religión, que nada tienen que ver con la oficial. El poeta no quiere cantar al Jesús crucificado, símbolo del sufrimiento y el martirio, sino al que anduvo en la mar, una imagen que evoca mucho más la libertad. Hay que apuntar que el tema, tal como Serrat lo graba, trasciende la autoría de Machado y ya pertenece al pueblo. Se canta y se toca en Semana Santa y creo que pocos saben que es un poema de Antonio Machado. Seguro que el poeta sería feliz si pudiera saberlo.
Como hemos dicho arriba, Campos de Castilla (1912, segunda edición en 1917) significa el encuentro del poeta con Castilla, con el paisaje de sus tierras altas donde proyectará su estado de ánimo y encontrará la expresión de la realidad nacional e histórica de España. Pero hay también en este libro nostálgicos recuerdos personales y reflexión sobre los grandes temas de la existencia humana. Así, este hermoso poema, A un olmo seco ¿Representa ese olmo moribundo a Castilla, a España? Algunos críticos mantienen que es trasunto de Leonor, su mujer. Bien sea reflexión general o lamento personal, A un olmo seco nos provoca una emoción que se enriquece con la preciosa música de Serrat.
Y terminamos el programa con uno de los temas más populares del disco: Cantares.
En un resumen periodístico, Miguel de Unamuno resaltó «en estos proverbios y cantares de Antonio Machado se condensa y concreta su amarga sabiduría poética». Ante alabanzas de esta índole, nos sorprende que aún hoy la sección «Proverbios y cantares» de Campos de Castilla siga tan ignorada. De hecho, muchos lectores la descubrieron gracias a esta canción de Serrat. En ella, el cantautor combina una letra suya con alguno de los proverbios de Machado.
Hay que aclarar que, partidario de la República, Machado tuvo que abandonar España tras la victoria franquista y murió en un pueblecito francés -Collioure- tras atravesar la frontera junto con muchos exiliados españoles en 1939. Esto, este triste final de la vida de un gran poeta, es lo que Serrat nos cuenta en la canción. Javier y Juan interpretaron una versión propia de este tema y le añadieron más ritmo y rapidez. Contamos, además, con la profesora Elena Toribio, quien leyó la parte recitada de la canción. La verdad es que disfrutamos mucho con este sorprendente final.
Y así, con esta visión particular de Cantares, agradeciendo, como siempre vuestra atención, se despidió Yolanda, la profesora que con mucho gusto os habla desde las ondas y recordando nuestra próxima cita aquí, en el programa Cantautores, con la estimable colaboración de Javier Sin Más y Juan Núñez y de Rosa Mª Calderón en los controles. Aquí, claro, en la Radio del Instituto, en vuestra radio.
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