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lunes, 13 de junio de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Cierra el año radiofónico con un programa dedicado al gran maestro: L.V. BEETHOVEN

LUDWIG VAN BEETHOVEN



(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.



La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción. Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.

En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva. Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.

Obras de Ludwig van Beethoven

La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.

La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.

Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).

La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.


Entre las curiosidades de nuestro músico destacan:


- La vida personal de Beethoven fue problemática debido a su creciente sordera, que le llevó a plantearse el suicidio, según afirmó en los documentos encontrados en el Testamento de Heiligenstadt. A menudo, Beethoven era irascible y puede que sufriera trastorno bipolar. Sin embargo, tuvo un círculo íntimo de amigos fieles durante toda su vida, quizás atraídos por la fortaleza de su reputada personalidad. Hacia el final de su vida, los amigos de Beethoven compitieron en sus esfuerzos para ayudar al compositor a paliar sus incapacidades físicas.


- Hay numerosas evidencias del desdén que sentía Beethoven hacia la autoridad y el sistema de clases sociales. Detenía su interpretación al piano si su audiencia comenzaba a hablar entre sí o si dejaban de prestarle total atención. En los eventos sociales, se negaba a interpretar si le invitaban a hacerlo sin previo aviso. Finalmente, y después de muchas confrontaciones, el archiduque Rudolf decretó unas normas básicas de etiqueta en la corte que no afectaban a nuestro compositor.

Entre los fragmentos de obras que vamos a escuchar hoy destacan:

- Sinfonía Nº 5 en Do m. Op. 67

- Sinfonía Nº6 en Fa M. Op. 68 (conocido como “Pastoral” ).

- Sinfonía Nº9 , “Coral”, Op. 125.

lunes, 6 de junio de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Clasicismo y al músico F.J.Haydn (II parte)






FRANZ JOSEPH HAYDN (II PARTE)



Como miembro del servicio de la familia Esterházy, Haydn vestía librea y seguía a la familia cuando se trasladaban a sus palacios, el más importante de ellos era el Castillo Esterházy en Eisenstadt (Viena).


Empezó a trabajar para el príncipe Pál Antal Esterházy en 1762 y muerto éste en 1763, sirvió a su hermano Nicolás, llamado el magnífico durante casi treinta años.

En su nuevo cargo , Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, así como organizar el montaje de óperas ( presentaba todas las semanas dos óperas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados y conciertos de música de cámara diarios en los que el propio príncipe tocaba la viola da gamba.


Transcurrieron casi treinta años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo, su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo.


Gradualmente Haydn también comenzó a sentirse más aislado y solitario, particularmente cuando la corte se desplazaba durante la mayor parte del año a Esterháza, lejos de Viena. Haydn tenía muchas ganas de visitar Viena en particular porque sus amistades estaban allí.


- La obra que vamos a escuchar hoy es: La Sinfonía Nº 94 en Sol Mayor.

lunes, 16 de mayo de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Clasicismo y al músico FRANZ JOSEPH HAYDN.

FRANZ JOSEPH HAYDN





Nace en Rohrau, cerca de Viena, Austria, el 31 de Marzo de 1732 y muere en Viena el 31 de Mayo de 1809. Compositor austriaco, considerado uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el “padre de la Sinfonía” y el padre del “Cuarteto de cuerda”. Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy procedente de Hungría. Tuvo una estrecha amistad con Wolfang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven. Su padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde de Harrach, el aristócrata de la población. Su madre había trabajado previamente como cocinera en el palacio del conde. Según los últimos recuerdos de Haydn, su infancia con su familia fue extremadamente musical. Así los padres de Haydn se dieron cuenta de que su hijo tenía talento para la música y sabían que en Rohrau no tendría oportunidad en recibir una educación musical acorde a su gran capacidad. Por esta razón nuestro músico se marchará a Hainburg ( a once kilómetros de su pueblo) y nunca más viviría con sus padres. En 1740 se traslada a Viena donde ingresa en el Coro de niños de la Catedral de San Esteban de Viena. A partir de 1745 su hermano, Michael, también se incorporó como miembro del coro. Así en 1749 Haydn alcanzó la edad del cambio y voz ,en la que ya no pudo cantar los tonos agudos de las obras corales y con este débil pretexto fue despedido de su trabajo en San Esteban, quedando en la calle sin ningún sitio donde ir. Haydn decidió inmediatamente iniciar su carrera como músico independiente, desempeñando diferentes cargos como: profesor de música, cantante de serenatas callejero y finalmente sirviente y acompañante del compositor italiano Nicola Porpora. Gracias al incremento de su reputación, Haydn pudo obtener el mecenazgo de un aristócrata, La Condesa Thun. Después estuvo a cargo del Conde Morzin quien se convirtió el primer mecenas a tiempo completo de nuestro compositor. En 1760, con la seguridad que le proporcionaba su puesto como maestro de capilla, Haydn se casó con Maria Aloysia Keller. Sin embargo el Conde Morzin pronto sufrió dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del maestro de capilla de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del Imperio austríaco y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Entre las curiosidades que os traemos hoy de esta primera etapa de su vida , destacan:

- Según afirma más tarde su biógrafo Albert Christoph Dies, en su etapa de niño cantor en San Esteban, pasó tanta hambre, que su constante obsesión era cantar muy bien, con la esperanza de obtener más invitaciones a las representaciones que se realizaban ante la aristocracia, donde normalmente se servían refrigerios a los cantantes.

- En 1772, la estancia de verano en el palacio Eszterháza en Hungría fue más larga de lo habitual y la mayoría de músicos fueron obligados a dejar a sus mujeres en casa en Eisenstadt . Haydn compone una Sinfonía que se le conoce popularmente como “De los Adioses”, correspondiendo con la Nº 45 en fa sostenido menor. En el último movimiento de la Sinfonía, los músicos van apagando la vela de su atril, se van levantando uno a uno y van abandonando el escenario, quedando sólo dos violines con sordina. El conde Esterházy parece que entendió el mensaje y la corte entera regresó a Viena al día siguiente.


- Haydn fue un devoto católico que a menudo recurría a su rosario cuando tenía problemas durante la composición. Normalmente comenzaba el manuscrito de cada composición con la frase “in nomine Domini”(en nombre de Dios) y lo finalizaba con “Laus Deo” (gloria a Dios).


La obra que vamos a escuchar hoy es su Concierto para Violoncello y orquesta en Do Mayor, compuesta entre 1761 y 1765 para Joseph Weigl, destacado chelista de la orquesta de Esterházy que dirigía Haydn.

lunes, 25 de abril de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Clasicismo y a W.A.MOZART (3ª Parte)



WOLFANG AMADEUS MOZART (III PARTE)





Hacia el final de la década de 1780, la situación económica de Mozart empeoró. Alrededor de 1786 dejó de aparecer frecuentemente en conciertos públicos, por lo que sus ingresos se redujeron. Esa época fue de grandes dificultades para todos los músicos de Viena a causa de la guerra entre Austria y Turquía. La ciudad de Viena iría perdiendo el interés musical por Mozart debido al advenimiento de otros pianistas con una técnica mucho más efectista, como el caso de Muzio Clementi, entre otros artistas que surgen en estos años.




Sus Academias o Conciertos por suscripción, que habían sido en su estancia en Viena una de las mejores fuentes de ingreso, comenzaron a perder audiencia, por lo que ya no le reportaban beneficios económicos. A mediados de 1788, Mozart y su familia se trasladaron desde el centro de Viena a un alojamiento más barato en el barrio periférico de Alsergrund. Nuestro músico comenzó a pedir prestado dinero, cada vez con más frecuencia. Aproximadamente en esa época, Mozart realizó una serie de largos viajes con la esperanza de incrementar sus ingresos a Leipzig, Dresde, Francfort y Mannheim. Estos viajes sólo produjeron éxitos aislados y no solucionaron los sufrimientos económicos de la familia. El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran productividad y en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal. La situación financiera de Mozart, una fuente de ansiedad extrema en 1790, finalmente comenzó a mejorar, ya que, aparecieron patrocinadores ricos en Hungría y Ámsterdam prometiendo anualidades a Mozart a cambio de composiciones ocasionales. Probablemente también se benefició de la venta de música de baile compuesta en su papel como compositor de cámara imperial. Mozart no volvió a pedir dinero prestado y empezó a hacer frente al pago de sus deudas.

La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Mozart se sintió enfermo durante su estancia en Praga el 6 de septiembre durante el estreno de su ópera “La Clemenza di Tito” (KV. 621), compuesta en ese año como un encargo para los festejos de la coronación de Leopoldo II como emperador. La obra fue acogida con frialdad por el público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el Requiem. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolores y vómitos. Nuestro músico recibió los cuidados de su esposa Constanze y su hermana menor Sophie durante su enfermedad. Como cuenta el médico personal, el doctor Nicolaus Closset, que lo atendió en sus últimos días, estuvo mentalmente ocupado en la finalización de su Requiem. Sin embargo, las evidencias de que realmente dictara pasajes a su discípulo Franz Süssmayr son muy remotas. A las doce y cincuenta y cinco minutos de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años. Su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha). El entierro de Mozart fue de tercera categoría, con un coste de ocho florines, donde recibió sepultura en el cementerio de St Marx de Viena.



La obra que os traemos hoy es la misa de “Requiem”, KV. 626.

lunes, 11 de abril de 2011

"PASIÓN SINFÓNICA": Dedicado a la música orquestal de Marchas de Semana Santa.

Los "Sonidos de la Mañana" en una edición especial dedicada a la música de Semana Santa, cambia de género y nos muestra cuatro ejemplos de como se puede adaptar una Marcha Procesional a una Orquesta Sinfónica.

La versión es de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres y los ejemplos que os mostramos son:

"Virgen del Valle", "Ione", "Jesús de las penas" y para concluir "Amarguras".


¡¡¡Esperamos que lo difruteis!!! y desde este espacio os deseamos unas buenas vacaciones.



Juan A. Rubio Platero

lunes, 4 de abril de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Clasicismo y a W.A.MOZART (2ª Parte)


WOLFANG AMADEUS MOZART (II PARTE)

El programa de hoy está dedicado a la segunda etapa de Mozart a partir del año 1777 y a su obra pianística.





En Agosto de este año, Mozart dimitió de su puesto en Salzburgo e inicia un viaje en busca de empleo visitando varias ciudades entre ellas Augsburgo, Mannheim y Munich. Debido a que el arzobispo Colloredo no permitió a su padre Leopold viajar con su él, la madre fue su acompañante.

Durante su estancia en Munich nuestro músico se enamora de una de las cuatro hijas de la familia Weber.

Los Mozart no encontraron un puesto de trabajo estable para Wolfang por lo que se marchan a París el 14 de marzo de 1778. Tampoco allí tuvieron suerte y la situación económica empeoró, por lo que se vieron obligados a empeñar objetos de valor. La madre enferma y fallece el 3 de julio de 1778. Mozart le cuenta después a su padre desde París, que se demoraron en llamar a un médico por la falta de fondos.

Mozart se ve obligado a volver de nuevo a Salzburgo en contra de su voluntad y aceptar un puesto como organista y violinista de la Corte ( el salario anual ascendía a 450 florines).

En 1781 se estrenó en Munich la ópera “Idomeneo, re di Creta” (KV 366) con un considerable éxito y el compositor será llamado a Viena para las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador.

La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo y pronto se consolidó como el mejor intérprete de teclado de la ciudad. También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera “El rapto en el serrallo”(KV 384), que sería estrenada el 16 de Julio de ese año, obteniendo un enorme éxito.

Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, que se había casado con el actor Joseph Lange, inicia un relación con la hermana menor Constanze. Sin embargo su padre no le da el consentimiento para casarse porque no apreciaba a esa familia ya que pensaba que querían aprovecharse del éxito de su hijo.

Al final se casan el 4 de agosto de 1782 en Viena, llegando a tener seis hijos, de los cuales sólo sobrevivieron dos. Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze.

Con las ganancias de sus conciertos y otras actuaciones, el matrimonio Mozart adoptó un modo de vida, colmado de lujos. Se trasladaron a un apartamento caro, compraría un excelente piano, una mesa de billar por unos 300 florines. Las deudas empezaron a aparecer y las dificultades económicas serían una constante en la vida de Mozart.

El 14 de diciembre de 1784, Mozart se convirtió en francmasón. Estos ideales jugarían un papel importante en el resto de su vida como compositor.

Entre las curiosidades que os traemos hoy ,de esta etapa de nuestro compositor destacan:

- Mozart dedica seis cuartetos de cuerda KV 387- 465 al genial compositor Haydn, el cual dijo al escucharlos a su padre Leopold “ Le digo a usted ante Dios, y como un hombre honesto, que su hijo es el mayor compositor conocido por mí persona “.

- El propio emperador José II comentó al final del estreno de su ópera “El rapto en el Serrallo” al propio Mozart: “Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas”, a lo que el compositor contestó “Exactamente, ¿cuántas son menester?”.


Fuentes Consultadas:

- “ El Estilo Clásico: Haydn, Mozart y Beethoven”. Rosen, C; Madrid, Alianza (1986).

- “Mozart”. Paumgartner, B; Madrid, Alianza (1990).

- “Atlas de Música” V. II. Michels.U. Alianza Editorial (2004).




lunes, 28 de marzo de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Clasicismo y a W.A.MOZART (1ª Parte)

Dada la gran importancia de nuestro compositor, vamos a dedicar tres programas a su figura. Este primero estará dedicado a su primera etapa como niño prodigio y juventud y a sus obras para instrumentos de cuerda. En concreto al violín, instrumento para el que compuso seis conciertos de una gran riqueza técnica y expresiva.

Nace en Salzburgo (Austria) el 27 de Enero de 1756 y muere en Viena el 5 de diciembre de 1791. Compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. La obra de Mozart abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras. En su niñez mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan sólo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones como niño virtuoso eran muy apreciadas por la aristocracia de la época. Entre los viajes que realiza con su familia y su hermana Nannerl como niños prodigio, destacan: 1) El 12 de Enero de 1762 la familia entera partió hacia Munich, comenzando con una exhibición en la corte del príncipe elector de Baviera Maximiliano III y más tarde en la corte imperial de José II de Habsburgo en Viena y Praga. Esta estancia en Viena termina con dos recitales ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn. 2) El 9 de Junio de 1763 iniciaron una larga gira de conciertos que duró tres años y medio, en la que la familia se desplazó a las cortes de Mannheim, París, Londres, La Haya, otra vez a París y volvieron pasando por Zúrich, Donaueschingen y Munich, logrando grandes éxitos. En Versalles los Mozart llegaron a tocar ante el mismísimo monarca Luis XV. 3) Mozart y su padre volvieron definitivamente a Salzburgo el 13 de marzo de 1773. Allí se enteraron de la muerte del príncipe-arzobispo Schrattenbach, quien siempre los había apoyado. Comienza entonces una nueva etapa, a cargo del nuevo arzobispo Hieronymus von Colloredo, que era un hombre autoritario e inflexible con el cumplimiento de las obligaciones impuestas a sus subordinados.

En Salzburgo a pesar de sus éxitos musicales y de desempeñar un puesto de gran importancia como maestro de conciertos (Konzertmeister), Mozart estaba cada vez más descontento con su situación en esa ciudad debido a su bajo salario (150 florines por año) y a su gran carga de trabajo que no le dejaban tiempo para componer ópera (género musical, por el que estaba teniendo bastante éxito en otros países). Entre las curiosidades que os traemos hoy de esta etapa de su vida destacan: 1) En 1767 en Viena tras terminar un concierto con tan sólo11 años de edad, la madre del emperador María Teresa, quién quedó encantada con las extraordinarias facultades del niño, lo sentó en su regazo y lo besó. El joven músico estaba tan cansado después de estar tocando, que se quedó dormido en brazos de la reina. 2)Cuentan que en su estancia en Roma en 1770, con tan sólo 14 años de edad, donde escuchó el Miserere de Allegri en la Capilla Sixtina. A su llegada a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión casi perfecta de la partitura. Este hecho llegó a oídos del Papa Clemente XIV quien lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro. 3)La relación de Mozart con su patrón el arzobispo Colloredo fue bastante turbulenta por sus continuas discusiones y desembocó en la renuncia del compositor a su cargo y su marcha a la ciudad de Viena.





Fuentes Consultadas: Dini, J. y Saenz,M, Cartas de W.A.Mozart, Barcelona,Muchnik (1986); Atlas de Música Vol.II. Editorial Alianza Música (2004); Kunze,S, El Clasicismo Musical, Editorial Akal (1991); Paumgartner,B. Mozart, Madrid, Alianza (1990); www.wikipedia.org/mozart/ biografia

lunes, 21 de marzo de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".Programa dedicado al Preclasicismo y al músico JOHAN JOACHIM QUANTZ



PROGRAMA DEL LUNES 21 DE MARZO DEDICADO A JOHAN JOACHIM QUANTZ

Nace en Oberscheden (Baja Sajonia) el 30 de Enero de 1697 y muere en Potsdam el 12 de Julio de 1773. Fue un compositor y flautista alemán, además de profesor de flauta del rey Federico II de Prusia.


Empezó a demostrar su talento musical a muy temprana edad. A los 8 años ya tocaba el contrabajo en festivales locales. En 1708, al morir su padre, herrero de profesión, se fue a vivir a casa de su tío Justus Quantz, miembro de la orquesta de la ciudad de Merseburg, con el que comenzó sus estudios musicales. A la muerte de su tío, el yerno de éste, Johann Adolf Fleischhack tomó a nuestro compositor como alumno. Al acabar sus estudios sabía tocar los principales instrumentos de cuerda, y todos los de viento usuales a excepción de la flauta travesera.

En marzo de 1716 ingresó en la orquesta municipal de Dresde, un año más tarde viaja a Viena donde estudia composición con Jan Dismas Zelenka y Johann Joseph Fux.


En 1718 fue nombrado oboista en la capilla polaca de Augusto II en Varsovia. Se especializó en el estudio de la flauta travesera bajo la dirección de Pierre Buffardin.

Estudió contrapunto en Roma con Francesco Gasparini y durante sus viajes por Europa conoció personalmente a Scarlatti y a Händel.


En 1728 es flautista en la capilla de Dresde. Allí durante un concierto conoce al príncipe Federico de Prusia, más tarde llamado Federico el Grande, el cual lo toma como profesor particular de flauta.


Cuando el príncipe llega a ser proclamado rey, Quantz pasa a las órdenes directas del nuevo monarca y le imparte clases diarias de flauta y composición. Incluso le acompaña en sus campañas militares. Nuestro músico permaneció como compositor de la corte y músico de cámara de Federico el resto de su vida, interpretando sus propias composiciones, así como las del rey.

Solamente él tenía el privilegio de criticar al rey, en sentido positivo o negativo.

lunes, 14 de marzo de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Programa dedicado al Estilo Rococó y a JEAN- PHILIPPE RAMEAU.


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”, programa del Lunes 14 de Marzo dedicado al Estilo Rococó en música y al compositor JEAN-PHILIPPE RAMEAU.
Nace en Dijon, el 25 de Septiembre de 1683 y muere en París el 12 de Septiembre de 1764. Fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés.
La obra lírica de Rameau, a la que comenzó a dedicarse casi a los 50 años y que consta de 31 obras, constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Clasicismo francés.
Reemplaza a Jean- Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y fue duramente atacado por aquellos que preferían el estilo de su predecesor.
Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX y como el primer teórico de armonía clásica. Sus tratados, a pesar de algunas imperfecciones, fueron hasta principios del siglo XX obras de referencia.
La música de nuestro compositor se caracteriza por el oficio excepcional de este compositor que quiere ser ante todo un teórico de su arte. Nos e dirige solamente a la inteligencia y Rameau ha sabido poner en obra idealmente su intención cuando afirmó: “ Busco esconder el arte por el arte mismo”.
Su padre lo enviará muy joven a estudiar a Italia para perfeccionar su educación musical, pero no irá más allá de Milán y no se conoce nada de esta corta estancia, puesto que apenas tres meses después Rameau estaba de regreso en Francia. Más tarde confesará arrepentirse de no haber permanecido más tiempo en Italia, donde habría podido perfeccionar su gusto.
Hasta los 40 años su vida está hecha de idas y venidas, formando parte como violinista de una compañía de músicos milaneses, hasta que en 1702 es organista interino en la catedral de Avignon y desde el mes de mayo siguiente, ya estaba en Clermont-Ferrand, donde obtuvo el puesto de organista de la catedral para un período de seis años.
En 1709, regresa a Dijon para hacerse cargo, el 27 de Marzo, de la sucesión de su padre en el órgano de la catedral. El contrato era por seis años, pero no se cumplió pues en Julio de 1713, Rameau estaba en Lyon como organista de la Iglesia de los Jacobinos.
En 1722, nuestro músico estaba de regreso en París, en condiciones no muy claras, ya que no se sabe donde vivió, y esta vez para quedarse definitivamente. En 1724 publicó su segundo libro de piezas para el clavecín y en él no se indica la dirección del compositor. Lo que se sabe es que su actividad musical se dirigió hacia las representaciones teatrales de “La Foire” ( La feria), festejos que se celebraban al aire libre en las ferias de Saint-Germain ( de Febrero a Domingo de Ramos) y de Saint-Laurent ( de finales de Julio a la Ascensión).
Entrará a formar parte del cenáculo de artistas consagrados en torno al mecenas y aristócrata Alexandre Le Riche de la Poupliniére. Este encuentro determinará la vida de Rameau en los siguientes veinte años y le permitió entrar en contacto con un círculo artístico muy selecto, donde conocería a varios de sus futuros libretistas, incluidos Voltaire y su futuro enemigo ideológico Jean-Jacques Rousseau.
Se supone que Rameau dirigió desde 1731 la orquesta privada financiada por La Poupliniére, una agrupación. Puesto que desempeñó durante 22 años y al que le sucedieron músicos de la talla de Stamitz y después Gossec.
Como anécdota que os traemos hoy de nuestro músico destaca:
- El haber protagonizado una de las mayores polémicas originadas en Francia que se denominó “La Querelle des Bouffons” (La Querella de los Bufones). Así se enfrentaban los partidarios de la tragedia lírica, representante real del género francés y del otro lado los simpatizantes de la ópera-bufa de origen italiano. Esto provocó una auténtica disputa panfletaria que animará los círculos musicales, literarios y filosóficos de la capital francesa hasta 1754.
- Tuvo fama de ser una persona muy avariciosa. Y se cuenta que a pesar de ser rico y de tener hasta un título nobiliario (“ Caballero de la Orden de Saint-Michel” ) en su haber, se caracterizaba por llevar sus vestimentas gastadas, su único par de zapatos o su mobiliario muy viejo. El día de su muerte, en su apartamento que ocupaba en la rue des Bons-Enfants con su esposa y su hijo, no tenía a su disposición más que un clavecín de un solo teclado y en mal estado. Sin embargo, se encontró entre sus pertenencias una saca que contenía 1691 luises de oro.
Fuentes Bibliográficas consultadas:
- “Historia de la música occidental”, Tomo II. Grout y Palisca (1988), Alianza Música.
- “Atlas de Música”. Michels (2004).
- “La Estética Musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX”. Fubini (1994). Alianza Música.

lunes, 7 de marzo de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Programa dedicado a nuestros compositores andaluces (II parte) y en especial a JOAQUÍN TURINA.


“Los Sonidos de la Mañana”. Programa del Lunes 7 de Marzo dedicado a NUESTROS COMPOSITORES ANDALUCES ( II PARTE).
JOAQUÍN TURINA (Sevilla 1882 - Madrid 1949)
Y es que no podíamos olvidarnos de este andaluz universal. Joaquín Turina nació en Sevilla el 9 de Diciembre de 1882 en el en el seno de una familia unida, feliz y de clase media con un ambiente propicio a favorecer las inclinaciones artísticas y musicales que el niño pronto manifestó cuando, con apenas cuatro años, le regalaron un acordeón con el que improvisaba toda suerte de melodías. Pero no es hasta 1894 que al estudiar con D. Evaristo García Torres profundizó en los misterios de ese lenguaje maravilloso de los sonidos que es la música, estudiando armonía y contrapunto, elementos indispensables para todo buen músico y futuro compositor. Turina, cariñosamente, se refería a su maestro diciendo “... era un viejecito tan bueno como sabio.... a él le debo la buena orientación que me dieron sus enseñanzas... Me enseñó cosas que luego no he tenido que rectificar”.
En 1905 marchó a París, ingresando en la Schola Cantorum donde estudió piano con Moritz Moszkowsky y composición con Vincent d'Indy. Allí conoce a importantes personalidades del mundo de la música y dirige sus pasos creativos, tras un interesante encuentro que le acontece en el estreno de su op. 1 hacia la composición nacionalista. Es el propio Turina quien nos refiere la anécdota que hoy os contamos “...En los comienzos de Octubre del año 1907 se estrenaba mi primera obra en el Salón Otoño de París: mi quinteto para piano e instrumentos de cuerda. Colocados ya en el escenario vimos entrar, algo sofocado por la carrera, a un señor gordo, de gran barba negra y con un inmenso sombrero de anchas alas. Al poco rato el señor gordo se volvió hacia su vecino, un joven delgadito y le preguntó: ¿Es inglés el autor?. No, señor, es sevillano, le contestó el vecino completamente estupefacto... Al terminar la interpretación aparecieron de inmediato el señor gordo, acompañado del joven delgadito. Avanzó hacia mí y, con la mayor cortesía, se presentó: era Isaac Albéniz. Media hora más tarde caminábamos los tres cogidos del brazo por los Campos Elíseos grises de aquel atardecer otoñal. Nos instalamos en una cervecería... y ante una copa de champagne sufrí la transformación más importante de mi vida. Allí salió a relucir la patria chica, allí se habló de la música con vistas a Europa y de allí salí completamente cambiado de ideas. Éramos tres españoles y, en un rincón de París, debíamos hacer grandes esfuerzos por la música nacional y por España. Aquella escena no la olvidaré jamás, ni creo que la olvide el joven delgadito, que no era otro que el ilustre Manuel de Falla”.
Este encuentro con Isaac Albéniz en 1907 hizo que su música diera un giro y se orientara definitivamente hacia un nacionalismo inspirado en el folklore español.
En 1913 regresó a España estableciéndose en Madrid, donde alternó la composición con una intensa actividad como concertista, director de orquesta y crítico musical. Fue catedrático de composición en el Conservatorio Superior de Música y, desde 1939 Comisario General de Música, siendo el fundador de la Orquesta Nacional de España.

lunes, 21 de febrero de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA":Programa dedicado al DÍA DE ANDALUCÍA y al músico MANUEL DE FALLA

LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”, programa del Lunes 21 de Febrero, dedicado al día de Andalucía y a uno de nuestros músicos andaluces más importantes. MANUEL DE FALLA.
Nace en Cádiz el 23 de noviembre de 1876 y muere en Alta Gracia (Argentina) el 14 de noviembre de 1946. Fue un compositor perteneciente al Nacionalismo Español y junto con Isaac Albéniz y Enrique Granados, de los músicos más importantes de España en la primera mitad del Siglo XX.
Recibe sus primeras lecciones de Solfeo de mano de su madre, que era intérprete de piano y ya en 1889
prosigue sus estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura y el periodismo.
Tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron, entre otras, obras de Edvard Grieg , sentirá que su “vocación definitiva era la música”.
A partir de 1896 comenzó a viajar a Madrid, donde asistió al Real Conservatorio de Música y Declamación. Allí se perfeccionó en piano con José Tragó, un condiscípulo de Isaac Albéniz. Ese mismo año se trasladó definitivamente a Madrid, donde al año siguiente se trasladó definitivamente a Madrid, donde al año siguiente finalizó con honores sus estudios en el Conservatorio.
En 1901 conoció a Felipe Pedrell, quien tendrá una notable influencia en su posterior carrera ya que despertó en él el interés por el flamenco y, en especial por el canto jondo.
La siguiente etapa de su formación tuvo lugar en Francia. En 1907 se afincó en París, por consejo de Joaquín Turina y Víctor Mirecki y allí entró en relación con Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Isaac Albéniz, Alexis Roland o Pablo Picasso entre otros.
Será Debussy quien admiraba el arte flamenco de España el que le aconsejó que tomara esta música como fuente de inspiración; consejo que el español debió tener en cuenta en obras como “Noches en los Jardines de España”, en que el impresionismo contemporáneo se utiliza casi como soporte para armonías, ritmos y sonoridades flamencas.
En 1914 compuso “Las Siete Canciones Populares Españolas”. Tras el inicio de la Primera Guerra Mundial, Falla regresó a su país natal y fijó su residencia de nuevo en Madrid.
El 5 de Junio de ese año Falla entabló contacto con el gran músico Igor Stravinski y Sergéi Diágilev, cuyos célebre Ballets Rusos se hallaban por aquella época en Madrid, e inició un viaje por el Sur del país acompañado por Diágilev y el bailarín Léonide Massine. A lo largo de esa primavera y verano se realizaron varios conciertos en Sevilla, Cádiz y Granada.
El 22 de Julio los Ballets Rusos de Diágilev realizaron el estreno de “El Sombrero de tres picos” en Londres, con coreografía de Massine y decorados y figuración de Pablo Picasso. Esta obra pasó a formar parte del repertorio fijo de la compañía rusa.
Por encargo de Arthur Rubinstein comienza a componer “Fantasia Baetica” e inició las negociaciones del contrato con la firma Chester de Londres, que pasaron a ser sus principales editores.
El 15 de Septiembre el Centro Artístico de Granada le tributó un homenaje, por lo que Falla realizó un viaje a la ciudad, quedándose allí temporalmente en compañía de amigos, como Federico García Lorca y llevando una vida retirada. Finalmente a comienzos de 1922 estableció definitivamente su residencia en el carmen de la Antequeruela Alta, Nº 11.
El 28 de septiembre de 1939, después de la Guerra Civil Española y en puertas de la Segunda Guerra Mundial, Manuel de Falla se exilió en Angertina , a pesar de los intentos de los gobiernos del general Franco, que le ofrecían una pensión si regresaba a España. Fue nombrado Caballero, con el grado de Gran Cruz, de la Orden de Alfonso X el Sabio en 1940. No obstante, vivió en su exilio argentino gracias a la ayuda de algunos mecenas. Finalmente falleció el 14 de noviembre de 1946 tras sufrir una parada cardiorrespiratoria.
Entre las curiosidades que os traemos hoy de nuestro músico andaluz destacan:
  • Como homenaje a su labor artística, el Banco de España decidió emplear un retrato de Manuel de Falla en el anverso de los billetes de 100 pesetas, que fueron emitidos a partir del 19 de noviembre de 1965.
  • Su casa natal se encuentra en Cádiz en la famosa Plaza de Minas( en el Nº 3).
  • Tenía una personalidad un tanto especial. Entre sus múltiples manías se encuentra una fuerte aversión a la suciedad, hasta el punto de tener que desinfectar personalmente con alcohol cada una de las teclas del piano en el que tocaba cuando daba un concierto, por el simple hecho de que había pasado por muchas manos. Tenía fobia a los microbios. Incluso llegó a desarrollar una tendinitis de tanto lavarse las manos.
La obra que vamos a escuchar hoy es una selección de “El Amor Brujo”.

lunes, 14 de febrero de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Programa dedicado a SAN VALENTÍN y a la influencia del AMOR EN LA MÚSICA CLÁSICA.


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”; Programa del Lunes 14 de Febrero dedicado a SAN VALENTÍN y a la influencia del AMOR EN LA MÚSICA CLÁSICA.
Nuestro programa de hoy está dedicado a uno de los temas más importantes que han influido a lo largo de la historia de la Música: “El Amor”.
La Obra que vamos a escuchar será un extracto de “Las Romanzas sin Palabras” de Félix Mendelssohn para piano . En concreto :
- Opus 19 Nº1
- Op. 19 Nº4
- Op. 30 Nº1
- Op.38 Nº1
- Op.38 Nº6, entre otros.
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso” Franz Liszt (1811-1886).

lunes, 7 de febrero de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Programa dedicado a la ESCUELA DE MANNHEIM y al músico JOHANN STAMITZ


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”: Programa del Lunes 7 de Febrero dedicado a la ESCUELA DE MANNHEIM y al músico JOHANN STAMITZ.
Su nombre completo es Johann Wenzel Anton Stamitz. Nace el 17 de Junio de 1717 y muere en Mannheim el 27 de Marzo de 1757.
Fue un compositor, violinista y director de orquesta bohemio. Padre de los famosos Carl y Anton Stamitz. Perteneció a una célebre familia de músicos checos, que ejercieron una gran influencia en la evolución de la “Sinfonía” en el Siglo XVIII.
Destacó, ya muy jóven como excelente violinista y fue músico de cámara del Príncipe Elector del Palatinado. Stamitz viajó a París, donde permaneció durante un año, donde obtuvo gran fama y renombre. Regresó a Mannheim en el otoño de 1755 y falleció dos años más tarde.
Está considerado como uno de los más destacados creadores del estilo instrumental moderno, a quién se debió el desarrollo y rápido florecimiento de la “Orquesta del Palacio de Mannheim”, convirtiéndose en una de las más reputadas orquestas sinfónicas de Europa.
Junto con el compositor de música de cámara Franz Xaver Richter abordó el problema de la reforma del estilo instrumental, reforma que adoptaron casi inmediatamente grandes músicos como Johan Christian Bach, Luigi Boccherini y otros; A la vez que la secundaban los grandes centros musicales de la época: Londres y París.
A pesar de todas sus innovaciones, lo que más se valoró en la orquesta de Manheim fue su nivel interpretativo. Posiblemente este virtuosismo orquestal iba ligado al hecho que nuestro músico acostumbraba a dirigir la orquesta desde el concertino, mientras que la costumbre habitual en la època era dirigir desde el clavecín.
Johann Stamitz tiene también gran importancia como compositor. Fue uno de los primeros compositores en componer sistemáticamente Sinfonías en 4 movimientos, añadiendo el Minuet y Trio a los tres movimientos habituales. También es habitual la introducción de los clarinetes en la sinfonía, un tratamiento más melódico a la Viola e intentos de unir los instrumentos de madera con la cuerda.
Destaca también la introducción de un segundo grupo de material temático contrastando en el primer movimiento de la sinfonía, que fue decisivo para el desarrollo de lo que se conoce como Forma Sonata.
Como las óperas italianas, las composiciones de Stamitz tienen un fuerte sentido de unidad rítmica y material temático distintivo en la exposición.
Entre sus obras se pueden citar sinfonías, conciertos para violín, sonatas, entre otras.
Entre las curiosidades que os contamos hoy de nuestro compositor, destacan:
- En su certificado de defunción dice los siguiente: “30 de Marzo de 1757. Enterrado Jo´es Stainmiz, director de música de la corte.Será difícil encontrar otro tan experto en su arte”
- Mozart y Haydn hicieron cambios en la estructura de la orquesta, como por ejemplo la introducción de dos clarinetes por influencia de J. Stamitz tras haber visto la Orquesta de Mannheim
- Su vida fue bastante corta, tan sólo 40 años, pero a pesar de ello, es uno de los músicos y compositores más determinantes para el desarrollo de la Historia de la música , sentando las bases de la Forma Sinfonía y de la Orquesta Romántica.
- Es muy difícil en la actualidad hacer un catálogo exacto de sus obras porque, debido a la extraordinaria fama de que gozó en vida, tuvo muchos compositores que copiaron su estilo y en algunos casos su nombre y apellido para vender las obras.
Juan A. Rubio Platero

lunes, 24 de enero de 2011

LOS SONIDOS DE LA MAÑANA: Dedicado al Barroco Español (II parte) y en especial a LUIGI BOCCHERINI


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”: Programa del Lunes 24 de Enero de 2011 dedicado al BARROCO ESPAÑOL( II parte) y al músico LUIGI BOCCHERINI
Boccherini, Luigi Rodolfo (1743-1805), compositor italiano ( aunque afincado en la Corte Española) conocido por sus obras de música de cámara y por haber sido uno de los primeros grandes virtuosos del violonchelo. Nació en Lucca y estudió primero en su ciudad y luego en Roma. Formó parte de la orquesta del compositor italiano Giovanni Battista Sammartini durante un corto periodo de tiempo. Más tarde trabajó como compositor en las cortes de España y Prusia. En 1769 se estableció en Madrid como compositor y virtuoso de cámara de don Luis, infante de España.
La mayor parte de sus más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, y están marcadas por la elegancia y el refinamiento del estilo postbarroco que dominaba en su tiempo. El violonchelo es el instrumento principal en muchas de sus composiciones. Entre todos sus quintetos, el que está en la tonalidad de mi mayor (opus 13 nº 5; también numerado como opus 11), es famoso por su minué. Entre las obras para violonchelo destacan las 6 sonatas para chelo y bajo continuo y los 4 conciertos. Compuso un Stabat Mater, cantatas, 2 óperas y una misa. Boccherini murió en Madrid en la mayor miseria pues, protegido inicialmente por el infante Luis, a la muerte de éste no había conseguido el favor de Carlos IV y paulatinamente había ido deteriorándose su situación material.
El abandono repentino del mecenazgo de María Josefa Pimentel y la muerte de Federico Guillermo II de Prusia en 1797 provocó que nuestro músico fuera decayendo en los últimos años de su vida. Angustiado por las desgracias personales y a pesar de la ayuda del embajador francés Luciano Bonaparte, murió el 28 de mayo de 1805, a los 62 años de edad.
Boccherini fue enterrado en la Iglesia de San Justo de la calle del Sacramento de Madrid, hoy basílica pontífica de San Miguel.
Entre las curiosidades que os traemos hoy, destacan:
  • Luigi Boccherini recibió en su época el apodo de “la esposa”, que hacía alusión a su música de cámara de carácter galante y refinada.
  • Trabajando para la duquesa Benavente-Osuna tuvo la ocasión de conocer a Goya, quien se encontraba en sus primeros años trabajando como pintor de cámara.
  • Murió siendo pobre, a pesar, de haber disfrutado de una fama extraordinaria en la Corte Española.
  • En 1927 Mussolini llevó los restos del compositor a Lucca, su ciudad natal, para ser enterrado en la Iglesia de San Francisco, en el panteón de los hijos ilustres de esta ciudad Toscana.
Y por último, que sus descendientes siguen viviendo en España todavía.

La obra que vamos a escuchar es : el Quinteto de cuerdas Op.45

lunes, 17 de enero de 2011

"LOS SONIDOS DE LA MAÑANA". Programa dedicado al Barroco Francés( II parte) y al compositor FRANCOIS COUPERIN


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA” . Programa de radio del I.ES Laguna de Tollón estará dedicado hoy Lunes 17 de Enero al Barroco Francés (II parte) y en especial a FRANCOIS COUPERIN.
Es uno de los compositores más importantes de la música barroca francesa junto con Lully y Rameau. Perteneció a una familia de grandes músicos originarios de Chaumes en Brie.
Nace en París el 10 de Noviembre de 1668 y muere el 11 de Septiembre de 1733.
Aprendió de su padre y de su tio, por lo que no tuvo una educación formal.
En 1685 se convirtió en organista de la iglesia de Saint-Gervais en París, puesto que cedería a su primo Nicolas Couperin.
En 1693 sucedió a su maestro Jacques Thomelin como organista de la Chapelle Royale(Capilla Real) con el título de organista del rey Luis XIV. Después fue maestro de composición del nieto del rey, el duque de Borgoña.
En 1717 se convirtió en organista y compositor de la corte y su tarea consistía en crear música sacra para las oraciones reales y música de cámara para deleite de los monarcas.
Couperin desarrolló en su madurez un estilo muy personal, hecho de un poesía discreta. Fue el gran maestro del clavicémbalo en Francia tanto por la cantidad de piezas como por la calidad.
Entre sus obras más importantes destacan:
  • El arte de tocar el clave”, 8 preludios (1716). Este famoso libro contiene ejercicios de digitación, pulsación, ornamentación y otros aspectos técnicos del teclado.
  • 4 Libros de Suites” (1713- 1730). Adapta en estas obras la “Suite de Danses” a su sensibilidad poética. No utiliza el nombre de Suite sino el de “ordre”, pero son equiparables a las suites instrumentales de los maestros alemanes de la época.
  • En su música religiosa destacan sus “Lecons de ténebres” (1714)
  • Y en música instrumental son muy importantes los “4 Conciertos reales”(1714), las 4 Suites “Las Naciones”(1726), entre otros.
Entre las anécdotas de este músico francés destacan:
- Se le llamó en vida “Couperin le grand”(El Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia que fueron importantes músicos.
- Al no recibir una educación formal. Sus conocimientos generales y sus escritos son de un estilo y una ortografía que dejan mucho que desear. Este hecho le servía de motivo de burlas por los miembros educados e instruidos de la Corte francesa, diciendo de él “ Inmenso virtuosismo al órgano y al clave como si las musas hablaran por él, pero con la pluma parece que todos los animales se expresen a través de él”.
-De salud frágil y carácter poco mundano. Perdió un hijo en extrañas circunstancias, pues abandonó el domicilio paterno para no regresar jamás.
- Como señala Jordi Savall. Couperin fue el “músico-poeta” por excelencia. Creía en la habilidad de la Música para expresarse a sí misma y pensaba que si se penetra en la poesía de la música, se descubre que es más bella que la propia “belleza”.
- Maurice Ravel lo homenajeó en su obra “Le Tombeau de Couperin” (la muerte de Couperin).
La obra que vamos a escuchar hoy es: su famosa pieza sacra “Lecons de Ténèbres”.
Juan A. Rubio Platero

lunes, 10 de enero de 2011

"Los Sonidos de la Mañana" dedicado al Barroco Inglés ( II parte) y al músico HENRY PURCELL


LOS SONIDOS DE LA MAÑANA”, programa radiofónico del IES Laguna de Tollón, dedicado hoy Lunes 10 de Enero al BARROCO INGLÉS (II PARTE) y en concreto al músico HENRY PURCELL
Fue un compositor inglés que nació el 10 de septiembre de 1659 en St Ann´s Lane y falleció el 21 de noviembre de 1695 en Dean´s Yard (Westminster).
Está considerado el mejor compositor inglés de todos los tiempos que incorporó elementos estilísticos franceses e italianos, generando un estilo propio de música barroca.
Se dice que Purcell comenzó a componer a los 9 años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en 1670, aunque las fechas de sus obras son un poco inciertas.
En 1676 fue nombrado ayudante organista de la Abadía de Westmisnter en Londres y en 1680 con tan sólo 22 años pasará a desempeñar la plaza titular de dicho órgano.
En 1683 es nombrado Organista de la Capilla Real y constructor de los órganos Reales. Purcell entonces se dedicó enteramente a la composición de música sacra.
En 1689, compuso la ópera “Dido y Eneas”, que constituye un importante hito en la Historia de la música dramática inglesa con la famosa aria “El lamento de Dido”, tratándose de la primera ópera inglesa.
Otra ópera menor o semiópera es la conocida “The Fairy Queen”(La Reina de las Hadas).
Purcell murió el 21 de Noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: Orpheus Britannicus I (1698) y II (1702).
Entre las curiosidades que os traemos hoy de este genial músico destacan:
- Fue enterrado en la Abadía de Westminster (como una persona importante de su época) pero a petición suya fue sepultado justo debajo del órgano que tanto tiempo tocó.Y en su tumba se puede leer el siguiente epitafio. “ Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada”.
- Entre su estilo destacan influencias italianas, francesas e inglesas debido a los distintos profesores que tuvo.
- La obra “Música para el funeral de la reina Maria II” que consta de 17 piezas será utilizada en la película “La Naranja Mecánica” (especialmente la famosa Marcha Fúnebre) y curiosamente fue utilizada once meses después de ser compuesta, para el propio funeral del compositor.
La obra que vamos a escuchar hoy es: “THE FAIRY QUEEN” (La reina de las hadas), compuesta en 1692, basada en la obra de Shakespeare “El Sueño de una noche de verano”.
Juan Rubio Platero

lunes, 20 de diciembre de 2010

PROGRAMA ESPECIAL DE NAVIDAD: "LOS SONIDOS DE LA MAÑANA".



“LOS SONIDOS DE LA MAÑANA” estará dedicado hoy Lunes 20 de Diciembre de 2010 a la Navidad.
- Las Obras que presentamos hoy son en primer lugar el Oratorio de HAENDEL “El MESÍAS”.
Con la salud quebrantada, Handel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, Handel escribió un nuevo oratorio, El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios."
El estreno de este oratorio, que se llevó acabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo.
Handel era profundamente religioso, pero su decisión de escribir El Mesías y concentrarse en los oratorios se debió, en gran parte, a que la ópera ya no estaba de moda. Veía al oratorio como una forma de ópera que captaba el espíritu de la época, con historias musicalizadas de las Sagradas Escrituras, interpretadas por cantantes, coros y orquesta.
Dada su índole religiosa, los oratorios tenían otra ventaja muy práctica: podían representarse durante la Cuaresma, época en que los demás teatros se veían obligados cerrar.
El Mesías se estrenó en el Covent Garden, de Londres. Durante el concierto, el rey Jorge II se emocionó tanto que, al llegar la parte de los coros de Aleluya, se puso a dar saltitos. Sus súbditos hicieron lo mismo y, desde entonces, se hizo tradición el ponerse de pie cada vez que es ejecutada esa parte.
Handel quedó ciego siete años antes de morir. En 1759, durante una representación de El Mesías, cayó desmayado y nunca se recobró. Fue sepultado en la Abadía de Westminster, pero su petición de ser enterrado de forma privada no fue obedecida. Más de 3,000 entristecidos admiradores acudieron al funeral.
A los 25 años de su muerte, se llevó a cabo una representación conmemorativa de El Mesía, que incluyó la fabulosa cantidad de 95 violines, 26 violas, 21 cellos, 20 oboes, 12 trompetas, 4 juegos de timbales y un coro compuesto por 257 voces. En los festivales en honor a Handel, que se llevaron a cabo entre 1857 y 1926, tornaron parte más de 4,000 ejecutantes.
Esta gran cantidad de instrumentistas, aunque no formaba parte del concepto original de Handel, ha logrado que El Mesías sea una de las piezas más conocidas del compositor. Ninguna Navidad o Pascua transcurre sin que se toque esta obra en algún lugar del mundo.
-La segunda obra que vamos a escuchar es el “CONCIERTO DE NAVIDAD” de A. CORELLI
El Concierto de Navidad (o Concertó grosso fatto per la notte di Natale) está compuesto en sol menor y forma parte de la colección Nº 8 del Opus 6 de concerti grossi, una forma por la cual un pequeño grupo de solistas se enfrenta musicalmente al pleno orquestal. Está compuesto únicamente para cuerdas, como se acostumbraba en aquella época. Se trata de una obra de carácter pastoril que describe la escena del nacimiento de Jesús en el establo de Belén, con el homenaje de pastores, a modo de retablo sonoro
Este concierto fue compuesto hacia 1690 a petición del cardenal Ottoboni y presenta seis movimientos: Un breve Vivace que desemboca en un Grave desgarrador; un Allegro con imitaciones; un Adagio-Allegro-Adagio de gran belleza melódica; un Vivace con espíritu de minué; un nuevo Allegro que hace pareja con el primero; y, sin interrupción, un Largo (Pastoral) en Sol mayor en el que se canta a la Navidad y parece transportarnos a otro mundo. Este concierto es excepcional por terminar con la tonalidad en modo mayor cuando la obra está escrita en tono menor.